# 藝文服務生

> Taipei Art Notes 是一個從台北出發的藝文知識學習平台，以「藝術現場 × 企劃寫作 × 邏輯思考」為核心，致力於分享全球藝術展演觀察，並將實務經驗轉化為可學習的方法論，推動台灣藝文產業中的企劃與提案能力提升。 品牌以「藝文服務生的隨身筆記」為精神，強調從第一線實務出發，將藝術產業中複雜的策展、提案與專案管理流程，轉譯為具系統性的知識架構，幫助學習者建立清晰的邏輯思考與寫作能力，培養從「執行力」升級為「企劃力」的專業素養。

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## Courses

### [跟著藝文服務生去旅行-精華篇](https://school.taipeiartnotes.com/courses/arttravel)

> 藝術迷的旅行清單：13座城市、24個不能錯過的展覽案例

跟著藝文服務生去旅行｜精華篇如果藝術，教會我們領略生活中的美好；旅行，拓展我們的視野，也加深我們對世界的理解。那麼，跟著藝術去旅行，或許就是我們認識世界最喜歡的方式。從 2023 年開始，Taipei Art Notes 嘗試將多年來在藝文產業工作的經驗法則，轉化成一套套企劃教學。為了準備課程，我們也開始有意識地採集世界各地的展覽案例：走進美術館、閱讀展覽、蒐集圖錄，也試著思考一個真正精彩的展覽，究竟有什麼值得我們帶回來？ 幾年下來，累積的案例愈來愈多，我們卻也慢慢發現，如果這些內容只留在企劃課堂裡，實在有點可惜。於是，我們決定把這些年累積的觀展筆記，整理成一套給所有藝術愛好者的影音課程。不需要是藝文工作者，也不需要具備藝術史背景。只要你喜歡看展、喜歡旅行，或者總是在一座城市裡尋找值得走進去的美術館，都可以跟著藝文服務生一起出發。✦ 7 個國家✦ 13 座城市✦ 8 大單元✦ 24 個國際展覽與美術館案例我們會走進鹿特丹、倫敦、巴黎、東京、十和田、海牙、赫爾辛基、墨爾本……從北半球到南半球，從亞洲一路走到歐洲。打開平常看不見的博物館庫房；走進梵谷、小王子與 David Hockney 的數位光影展，重新思考沉浸式展覽的未來；也觀察當代藝術家，像是草間彌生與奈良美智，看大型回顧展如何重新梳理一位藝術家的創作。 還會尋找那些「非得到現場不可」的展覽，看看作品如何與建築、城市和歷史產生關係；拜訪不同規模、不同性格的美術館，想像一座美術館還有哪些可能，一路聊到我們每次旅行都忍不住扛回家的展覽圖錄。課程陸續上架中，預計於2026.11.15完成所有章節單元

### [企劃入門—邁向寫手的通識課](https://school.taipeiartnotes.com/courses/planning)

> 好企劃不只靠創意！從邏輯思考到簡報設計

企劃入門—邁向寫手的通識課Introduction to planning線上課程 入門程度 企劃寫作從產業觀察到邏輯思考，培養獨立判斷、整合資源與說服他人的企劃能力。“好企劃不只靠創意！用邏輯思考打造讓人印象深刻的企劃書關於這門課建立自己的企劃思考力！課程規劃以「專業養成」、「邏輯思考」、「簡報設計」三大面向，簡介台灣藝文產業，以及企劃人才需要具備的職能，並提供相關的學習資源與閱讀書單。亮點設計結合 AI 應用與邏輯思考工具，導入如何建立第二大腦 —個人知識資料庫、連結台灣藝文生態環境觀察，以及如何產出有記憶點的簡報邏輯，旨在培養學員運用企劃在產業中獲取資源。你會學到✓建立藝文產業的觀察視野，掌握企劃人才必備的專業判斷力。✓培養獨立思考與資源整合能力，將創意轉化為有說服力的企劃。✓掌握提案溝通與資訊表達技巧，讓企劃內容更清晰、更有記憶點。課程大綱從邏輯思考到簡報設計01企劃高手養成術。認識臺灣藝文產業的眉角。藝文專業養成的自學之道 (推薦書單與學習資源)。打造企劃高手的第二大腦02邏輯思考神企劃。掌握企劃的四大核心元素 。導入邏輯工具創造企劃發想 。運用數位科技提煉企劃寫作 (AI協作)03簡報設計攻心計。簡報設計的邏輯美學 。文書技巧與資訊化圖表 。創意文案的溝通策略準備好了嗎就從這一堂課開始入門企劃Taipei Art Notes 從台北出發，分享全球藝術展演的心得筆記，推廣邏輯思考的企劃寫作。

### [展覽入門—新手友善工作指南](https://school.taipeiartnotes.com/courses/exhibition)

> 展覽是怎麼做出來的？認識策展人與展務工作的第一堂課

展覽入門—新手友善工作指南Introduction to exhibition線上課程 入門程度 策展爬梳博物館史到策展實務，認識展覽背後的專業分工與製作流程。“從觀看到策展，認識一場展覽如何誕生！關於這門課關於策展，原來如此！課程規劃以「博物館史」、「策展角色」、「展覽製作」三大面向，解密臺灣策展工作實境，透過經驗分享，帶領新手概要認識未來工作職場的困境，並瞭解專業養成的自學要領。亮點設計著重科普展覽的歷史、策展人與各角色的定義，以及展覽製作流程，如展品清單、保險、運輸、溫溼度與燈光等實務技巧，並提及台灣藝術行政的甘苦談。你會學到✓建立展覽產業的觀察視野，理解美術館、策展與展覽發展的脈絡。✓認識策展人與展覽團隊的專業分工，培養跨領域溝通與資源整合能力。✓掌握展覽製作的基本觀念與藝術行政實務，建立面對展務工作的專業判斷力。課程大綱從展覽脈絡到專業分工01簡易展覽誕生史。認識藝文展覽的類型 。美術館與展覽的誕生 。商業策展的沿革脈絡02關於策展這一行。策展人的定義與角色。策展團隊角色面面觀。臺灣藝文展演的概況03展覽製作大解析。展覽製作流程一二三 。去蕪存菁的展務TIPS 。藝術行政個人經驗法則分享準備好了嗎就從這一堂課開始解密展覽Taipei Art Notes 從台北出發，分享全球藝術展演的心得筆記，推廣邏輯思考的企劃寫作。

### [標案入門—文書小白生存守則](https://school.taipeiartnotes.com/courses/gov)

> 第一次投政府標案就上手？從電子領標到備標文書

標案入門—文書小白生存法則Introduction to TENDERING線上課程 入門程度 政府標案從認識政府採購制度到實際備標，掌握投標流程與文書技巧，建立承接政府標案的基礎能力。“標案不只比企劃，更要懂與政府溝通的語言關於這門課標案快譯通，破解政府採購的文書密碼課程規劃以「認識標案」、「備標工作」、「標案應用」三大面向，解析政府標案流程，降低企業入門的門檻，帶領學員初步認識政府採購法，以及掌握標案備標的文書技巧。亮點專為完全無經驗者（小白）設計，手把手教學流程，如：哪裡看標案、如何電子領標、如何準備資格文件，從投標到得標的步驟全解析。你會學到✓認識政府採購制度與標案類型，建立理解招標規則與採購流程的基礎能力。✓掌握電子領標、資格文件與服務建議書的準備要領，降低初次投標的文書門檻。✓培養標案資訊判讀與風險辨識能力，了解政府資源如何應用於藝文專案。課程大綱從標案小白到掌握基本功01認識政府標案。三大標案類型：工程、財物、勞務 。看懂標案中的專有名詞 。標案流程全解析 ：從公告到決標02備標文書Step by Step。政府電子採購網中領標須知。準備資格文件與服務建議書 。投標到開標的溫馨提醒03標案應用變化式。政府標案學習資源 。藝文獎補助資源介紹 。其他各種應用：公共藝術/地方創生/民間促參準備好了嗎就從這一堂課開始入門標案Taipei Art Notes 從台北出發，分享全球藝術展演的心得筆記，推廣邏輯思考的企劃寫作。

## Posts

### [名人可以當策展人嗎？從 RM、Alicia Keys 與 Robbie Williams談起](https://school.taipeiartnotes.com/posts/celebrity-curators-rm-alicia-keys-robbie-williams)

RM x SFMOMA: Between You and Me (圖片來源：SFMOMA 官網)隨著《RM x SFMOMA: Between You and Me》開展，社群上也出現「邀請名人擔任策展人是否適切」的討論。該展由 SFMOMA 邀請 BTS 成員 RM 首度跨足策展，將其私人收藏與 SFMOMA 館藏並置，呈現從韓國古代藝術至現代與當代藝術的多元面貌。RM x SFMOMA: Between You and Me (圖片來源：SFMOMA 官網)如果藝文服務生是名人的話，我應該會選擇跟Alicia Keys一樣，將自己的收藏交給專業策展人，2024 年，Brooklyn Museum 推出《Giants: Art from the Dean Collection of Swizz Beatz and Alicia Keys》，音樂製作人Swizz Beatz與歌手Alicia Keys兩人長期收藏並支持黑人藝術家，展覽匯集跨世代的黑人及非洲離散藝術家作品，後來巡迴到 High Museum、Virginia Museum of Fine Arts、2026 MCASD各地。但，這只是名人選擇的方式不同，要不要掛上共同策展是「選擇」，倒不是可以不可以的問題。當你選擇了策展這個角色，你就要禁得起評論的重量，相信身為全球都熱愛的明星BTS的一員，RM不會不知道名人伴隨來的輿論壓力吧！如果大家真的對「名人該不該擔任策展人」真的那麼有興趣，就再提供一個更有趣的案例，就是藝文服務生小時候也追星的Take That，當中的Robbie Williams 近年也以視覺藝術家的身分進入美術館，2024 年Moco Museum Amsterdam 推出《Pride and Self-Prejudice》羅比還與博物館創辦人共同策展，展覽還到巴塞隆納與倫敦展出喔！簡言之就是自己的創作自己策展的意思！Robbie Williams: Pride and Self Prejudice（圖片來源：Roco Museum 官網）身為羅比的粉絲，我對他的愛還沒有擴及到他的創作，而專業評論其實很不客氣：The Art Newspaper文章結尾談到，Whether the art world will be entertained … remains to be seen (至於他的作品能否讓藝術界也感到有意思，仍有待觀察)；最直接的是The Guardian藝評標題就直接下，Tone deaf, self-important, incredibly bad art (不知所云、自以為是，而且糟糕透頂的藝術)。就算是媒體這麼的直接，我相信經過大風大浪的羅比，應該也可以雲淡風輕吧！不然就不可能展出三站了！SFMOMA的確透過展覽獲得了許多討論，檢視了他們的票價、有沒有教育推廣的導覽服務等等，在此也要說明一下，SFMOMA只是非營利組織，本來就不肩負著要廉價推廣藝術的使命，而Moco Museum所屬就是Moco Amsterdam B.V，簡言之就是一家私人有限公司，這公司的產品你不喜歡，那就是不要去買，兩個機構如果用公立美術館的一些框架來放大檢視是不適合的。比較值得觀察的是，名人帶來了展覽的關注度，接下來SFMOMA會怎麼轉化成博物館有用的資源吧！這點，目前並沒有太多討論就是了！

### [《AI 共筆時代：藝文工作者的 Dos and Don’ts 實用指南》𝙆𝘾𝘾𝘼 𝙢𝙖𝙜.𝟬𝟬𝟰](https://school.taipeiartnotes.com/posts/a25016)

AI 共筆時代：藝文工作者的 Dos and Don’ts 實用指南ChatGPT於2022年問世，正好是自己開啟企劃教學的起點，雖然當時就已經注意到它的潛力，但真正感受到這項工具帶來革命性改變則是在去年，展覽企劃班上開始有學生與其對話獲取靈感。AI帶來了便利，接踵而至的議題是與AI協作的瓶頸：「為什麼我的ChatGPT比較笨？」「為什麼它無法查到藝文產業的資料？」「這篇企畫書的AI味好重！」隨著 AI 工具逐漸成為職場寫作的一環，藝文產業亦然，許多朋友開始希望我分享與 AI 協作的經驗，甚至開口要指令模板或分享聊天對話，希望能藉此洞悉訣竅。因此，特別將過去兩年來的實作心得，濃縮成這篇文章，給正在摸索與 AI 共筆的藝文工作者們一些實用提醒。Dos｜從資料到洞見：寫企劃前的個人知識管理年初有位學生以《草間彌生的軌跡與奇跡》展覽做為作業課題，在撰寫過程中很快就發現，無可避免的都要追溯至1998年初試啼聲的台北雙年展，但問題也隨之浮現，因為網路上的資料其實非常有限。Google可以查到2016年的南條史生的於典藏刊登的文章，其實源自所出版的書籍《為當下策展：南條史生的藝術現場1978～2011》，臺北市立美術館官網的資料只剩下展期與出版品連結，官方完整的歷史資料，其實藏在台北雙年展官網的子網頁《朗誦／文件：台北雙年展 1996–2014》。那些你以為理所應當存在於網路世界的資料，其實並不那麼容易找查。回望二十七年前的故事，如果無法讓人警惕，你必須更知道的是藝文產業的現實，許多展覽在發生時報導就不多，報導後流量也不高，兩三年之後相關資料就被迫下架到所剩無幾，當其他產業可以即時抓取公開數據進行市場分析或文獻探討時，藝文圈的 AI 寫作，往往只能靠揣測與推論勉強拼湊出一份缺乏依據的企劃書。我的 AI並沒有比較聰明，真正的差別在於，每當我啟動一個 ChatGPT 寫作專案前，我都會先回到自己的個人知識資料庫，也就是我早已建立的「第二大腦」，找出所有相關的資料，囊括過往的專案內容、企劃書、媒體評論，也包含會議錄音檔、講座影片等多元素材。仰賴 AI 快速閱讀語言的能力，協助我從這些資料中標記出可能有用的段落或觀點。AI 減輕了繁瑣的素材整理工作，讓我能將更多心力投入在構思與深化洞見上。接著，再運用 AI 搜尋能力，補足個人資料庫中尚未涵蓋的外部資料來源，讓內部知識與外部觀點可以交叉比對、互相驗證，最終產出更具說服力的企劃內容。在 AI 共筆時代，個人知識管理Personal Knowledge Management（PKM）不再只是整理檔案而已，而是幫助我們成為更有洞察力的企劃者。這是所有藝文工作者在進入 AI 協作寫作前，最應該培養的能力。Don’ts | 從靈感到空轉：別把創意當作企劃起點在企劃教學的現場，常有來自職場的學員，無論是員工還是雇主都會問我一個問題：「老師，你講這麼久了，怎麼還沒教我們怎麼發想企劃、怎麼 Brainstorming？」這時我才發現，許多人對企劃的認知，其實就是：企劃＝頭腦風暴（brainstorming）。事實上頭腦風暴只是設計思考（Design Thinking） 數十種創意策略之一，企劃的發想不只靠靈感，更有大量邏輯思考工具可以運用，如六頂思考帽、麥肯錫、心智圖等。這些工具不但適用於人工操作，也可以借助 AI 來分析與應用。寫企劃書的目的，從來都不只是為了展現創意本身，更要為了解決問題而溝通。企劃書之所以成立，是因為有具體的閱讀對象想與之合作，它應是提出一個全方位解決方案（total solution）的載體。因此，企劃的關鍵更關乎你能否提出可執行的策略與想法。這也是藝文產業在撰寫企劃時最容易產生誤解的地方：把重心放在主題概念與創意發想，而忽略了解決問題的執行力、全案分析與效益評估。我經常引用《策展人工作指南》裡的一句話，「策展是20%的創意，80%的行政、協作與管理」，這是由前倫敦泰特美術館館長Nicholas Serota提出的觀點。雖然創意和想像力至關重要，但將展覽從概念轉化為現實，需要大量繁瑣的行政工作、協調各方資源與專案管理。而企劃書也一樣，若無法展現80%的執行與解決能力，那麼即使你有滿分的創意，也很難說服閱讀對象願意投入資源與你合作。因此，在開始撰寫企劃書之前，別急著馬上與 AI 對話催生靈感。真正關鍵的第一步，是先釐清企劃的背景分析（Why）與預期效益（Evaluation），循序漸進後，再與 AI 討論創意點子，AI 所提供的觀點才有機會與你真正的議題緊密扣合，產出更有脈絡的企劃內容。在 AI 共筆時代撰寫企劃書，藝文工作者最不可被取代的能力應是洞察內外部並做出判斷的「決策力」。AI 是一位強大的筆記員與分析師，能協助整理資料、加快輸出，但它無法取代一位具備現場經驗、能處理突發狀況的專案經理。企劃中80%的行政、協作與管理，仍舊來自於案場上流血流汗、身經百戰的藝文工作者。唯有將實務經驗內化為洞見，將日常工作轉化為可累積的專業素養，你才能成為能為 AI 下指導棋的優秀主管，讓它真正成為你稱職的企劃助理。

### [給富邦美術館的斗膽提案 — 創造羅丹展品空間的餘裕，觸動建築詩人的光線對話](https://school.taipeiartnotes.com/posts/a24001)

北富邦 南奇美 國際大展的新戰國時代近期國際大展引進台灣再度蔚成風潮，其中以奇美博物館所舉辦《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》最為熱門，前幾年碰上疫情與故宮史博兩大館整修，商業售票展以IP展為主流，前一次有國際館舍的真跡來台，應可追溯到五年前了。《真實本質：羅丹與印象派時代》展廳現場 (圖片來源：富邦美術館)富邦美術館建築照 (圖片來源：富邦美術館)私人美術館的開幕展該怎麼定錨？私人美術館的確擁有博物館定位的彈性與自由，在考量公眾性之前，也可以納入企業形象、利益、員工福祉等多元想法來制定。台灣私人美術館比例極低，不免先想到奇美實業奠基在創辦人許文龍先生豐富的館藏之下，於1992年打造了奇美博物館，新館於2008年動工，開幕後先強化常設展廳，近年來才以引進國際大展的合作案，再度躍上國人的話題焦點。富邦美術館的成立在藝術同溫層中悶燒已久，首度面向大眾是以建築師倫佐・皮亞諾在台首座建築作品的角度曝光，緊接著不久，就揭露了富邦美術館和洛杉磯美術館的合作案，羅丹展就此以開幕首展的說法正式亮相。雖然早知道富邦一定會引進羅丹展，但一直聽聞開幕展有很多種可能性，這的確是個很重要的議題！我們 關注台灣與世界各地藝術家，以開放積極的態度帶來對話與交流。我們 聚焦現當代藝術，帶來激發想像的展覽與活動。我們 傳遞藝術的幸福與喜悅，實踐「 藝術每一天 Art EveryDay」的本質。節錄自「關於富邦美術館」以富邦美術館的定位而言，若以羅丹展做為開幕之作，就策展面上，很難與引進國際大展二十年餘的時藝多媒體(點亮藝術新生命)和聯合數位文創(把世界帶進台灣)作出區隔；就場地方來說，也難在故宮、史博、文創園區中凸顯特色。畢竟富邦美術館最強大的優勢就是過往富邦藝術基金會的累積，因此，用國際大展作為開幕首展，似乎弱化了台灣藝術家對話空間的角色，實屬可惜！雖然配套上有搭配了信義區的無牆美術館《粉樂町》，但好不容易基金會所經營的城市角落藝術推廣，從無牆蛻變成有牆的美術館，牆內的焦點卻是其他館舍的重要典藏品，不免讓專業人士們感到遺憾，我們還是期待開幕首展可以從原有基金會的角度出發，自策以台灣藝術跟世界藝術對話的展覽為佳。美術館除了典藏展還有什麼策展的可能性？《富邦典藏展．觸動》展廳現場 (圖片來源：富邦美術館)當然，位於三樓展廳的《富邦典藏展．觸動》也是富邦美術館年開館的獻禮之一，以富邦的收藏分享大眾，在目前全台灣最大的開放式無樑柱結構空間中欣賞精選的富邦典藏作品。或許你會說這個展與羅丹相互輝映，是否有兼顧到展現富邦本體這件事了呢？答案可能還是遺憾的。就現場展廳的呈現，個人覺得更凸顯了富邦美術館策展專業的不足。諾大的展廳就單純地展示了常玉、趙無極、朱沅芷、王懷慶、江賢二、蘇笑柏等藝術家之作，以策展的角度來說，是「展示」而非「展覽」，策展的本質應該是向觀眾提出一個觀點想法，讓觀眾得以透過展覽來洞察世界，若只是單純的介紹藝術家與作品，展覽沒有分區、配置、動線與觀點的提出，很難形成一個足以售票的展覽。 (典藏簡秀枝社長日前發表了票價的觀點，引發了不少的討論，在此就不贅述)更重要的是展品掛點過高，若以「57英吋掛畫法則」(57" on center)來說，畫的中心點應放置在約144.78cm的高度。實際每幅畫作都掛很高，再加上建築就十分挑高，即使站的比較遠，也只能欣賞畫作下半部，而文字安排的高度也失衡，我個人身高163cm，有些文字位於比我的眼睛還高的位置，會讓人擔心身高160cm以下的成人或是孩童要怎麼閱讀，我在參觀期間就有看到輪椅使用者無法好好欣賞此展廳，對於身障族群來說的確是不太友善。所以，《富邦典藏展．觸動》對於美術館的開幕不算加分，且不構成呼應美術館宗旨的策展代表作。然而，開幕展一定要從典藏品出發嗎？是不是從典藏展來出發在博物館學界已無標準答案，再加上典藏品也不再是美術館成立的要件了，重點還是在於館的定位是否明確、能否貫徹其宗旨來衡量。再問，那到底還有甚麼開幕展的可能性呢？就簡單舉個東京全新地標「麻布台之丘」(Azabudai Hills)為例，集團旗下已有森美術館(MORI ART MUSEUM)，此為日本私人美術館的代表之一，觀察麻布台之丘關於藝術的空間設有：「麻布台Hills畫廊」(Azabudai Hills Gallery)、「佩斯畫廊」(PEAC Gallery)、「集英社畫廊」(Shueisha Manga-Art Heritage)，還有大家最熟知的「TeamLab Borderless」，以及奈良美智等四位藝術家的公共藝術品展示。麻布台Hills畫廊開幕展入口 (圖片來源：自攝)Olafur Eliasson所創作之森JP大廈的公共藝術品 (圖片來源：自攝)這座新的地標的開幕展則是以奧拉法·埃利亞森(Olafur Eliasson)所創作之森JP大廈的公共藝術品來做同名展覽-《相互連接的瞬間協調的周期》，展覽由森美術館館長片岡真實和副館長德山弘和共同策劃。「相互連接」指的是人類與大自然等非人類事物之間的關係，彼此應是緊密且相互影響的。一個公共藝術做為起點也可以形塑一個展覽，也兼顧到私人企業的價值傳達。反觀富邦美術館廣場的巨型裝置藝術〈光與愛〉（Light and Love），由西班牙藝術家喬姆‧普蘭薩（Jaume Plensa）為富邦特別創作，於開幕典禮當日正式亮相，藝術家本人也親自來到台灣，但卻沒有對等的介紹，社群上看著台灣運輸佈展公司記錄的工作點滴，那些與時間和天候賽跑的故事，非常希望富邦能以美術館的角色讓大家知道藝術品裝置落成的艱辛之處。Jaume Plensa為富邦特別創作的公共藝術 (攝影／Szuan Chen © Shopping Design)呼應美術館建築之城市森林，羅丹展的全新展示提案綜合所談，若仍必須以羅丹展作為開幕首展的話(策展難免在諸多限制條件之下去權衡)，藝文服務生有個大膽的策展提案！展示主軸就讓羅丹的雕塑可以與美術館建築空間對話。被譽為建築詩人的倫佐・皮亞諾擅長引光入室，為空間注入自然，同時關注與環境的和諧共存性。羅丹展中的大型雕塑，可利用場域光線的元素，打造更具詩意的意象空間，呼應美術館所提出的「一座綠意環繞，綻放熱情與想像的美術館。」(這樣就不用使用綠樹影像的大圖輸出牆配置在《巴爾扎克像》之後了。)《真實本質：羅丹與印象派時代》展廳現場 (圖片來源：富邦美術館)如上述策展概念，展現美術館的通透性就極為重要，藝文服務生有幸於2023年6月份看過未完工的美術館內部，當時十分喜歡且期待，主要是台北欠缺交通便利的專業美術館等級展廳，能達到恆溫恆濕、有庫房規劃與藝術品的專屬貨梯，重點是展廳空間夠挑高在台北幾乎是沒有，展牆通常只能做到3米，對於大型古典油畫或是當代藝術裝置都非常不足，而富邦美術館完全沒有這些問題，這也顯示了倫佐・皮亞諾建築工作室（RPBW）深耕博物館建築的經驗，他們經典的案例包括巴黎龐畢度藝術中心（Centre Pompidou）、紐約惠特尼美國藝術博物館（Whitney Musuem of American Art）等。富邦美術館一樓展廳，2023年6月 (圖片來源：自攝)富邦美術館三樓展廳，2023年6月 (圖片來源：自攝)但我們實際走訪羅丹展廳，這樣的通透性卻消失了。因此，這次的提案希望找回這間美術館的「真實本質」，如照片一樓展廳前方有個小空間，去年場勘時說可做為開幕之用，最後卻是展品地獄之門的位置，還將透明帷幕通通用輸出與展牆擋了起來，這次建議的版本希望這個小空間就作為觀眾的起點，先將富邦美術館的宗旨、建築與公共藝術梳理完整，再銜接入展覽，來呈現展覽總說、羅丹年表等資訊，成為觀眾認識美術館與開幕展的入口。《地獄之門》作品展廳現場，原有一樓通透感已消失 (圖片來源：富邦美術館)除了通透感不再，展品的間距也顯得不足 (圖片來源：富邦美術館)為了有效改善羅丹展現行作品配置過於擁擠的問題，建議兩層樓都作為全展的展覽空間，這樣就無需再搭設過多的間隔牆，也能有效的降低展示成本，且更能呈現建築空間的美感，更重要的是羅丹的雕塑和《富邦典藏展．觸動》中的作品一樣，需要足夠的空間來欣賞，展場的留白往往是展示設計能否精湛的要素，目前過於簇擁的作品與文字大小比重，會影像觀眾欣賞作品的餘裕。當展品有呼吸的空間，觀眾就能更加感受到羅丹作品的本質與建築空間的對話了！當然藝文服務生的斗膽提案只是個人觀感，策展最饒富趣味之處，就是它有各種可能的答案，而且永遠沒有標準答案，提供個人小小的觀點是希望帶給大家不一樣的角度來看展覽，這才是藝文服務生的初心！

### [口語表達該怎麼教學？簡報技巧的養成之路 — 《2023藝文寫作班》課後談(下)](https://school.taipeiartnotes.com/posts/a23006)

在英國Newcastle University念書期間，Art Museum and Gallery Education碩士班中我印象最深刻的課程就是 — Micro Teaching，每次都是從早上十點到下午五點，一整天non-stop的簡報時光，從不同國籍的學生發展出截然不同的簡報風格，相互學習與反饋之間，累積了藝文服務生簡報技巧與口語表達的能力，因此很想企劃教學中來實踐。讓我們一起搭乘藝文服務生的記憶時光機，穿梭到2011年英國的教室裡，發掘一些有趣的簡報故事。主講旗袍文化的是畢業於北京中央美院的中國學生，她的簡報風格就是大量的文字加上圖片，她在台上侃侃而談並爬梳了旗袍的歷史與美學，簡報最後放上她媽媽穿著旗袍的結婚照，安靜的課堂頓時驚呼四起。同學們跟她一起又再看了回放錄影，大家七嘴八舌地給予反饋，有志一同的建議是，如果運用媽媽旗袍照作為開場，這將會是全然不同的聽講時光。有時候，只是一個小小的設計，能讓講者與聽者之間的互動感截然不同！Micro Teaching是一種教師培訓的方法，透過查看教學會話的錄製內容，可從同學、教師間獲得教學成果的效益評估，並對其教學技巧提供建設性反饋。沒錯！正是因為要反覆循環地教學、被教學、查看教學錄影，這門課才需要從白天上到天黑，教授深知這煎熬的過程，所以請我們先從自己國家的文化開始著手內容設計，並每次都提醒我們要帶很多療癒食物(Comfort food)來提振課堂士氣，最後我們也應證教授第一堂課所說的箴言：「這絕對會是一堂讓人又愛又恨，但一生受用的課！」英國Micro Teaching上課教室，還有滿滿的療癒食物陪伴著我們做簡報練習真的！都已經過了12年，還有好幾位同學的簡報歷歷在目呢！來自賽普勒斯的同學介紹了她家鄉的傳統蛋糕，在Instagram才剛出茅廬的第一年，大眾不具備圖文編輯的概念下，她就演示了一個很好的簡報風格。運用廚房烘培蛋糕時所拍攝的照片製作成簡報，搭配簡單的標題文字說明步驟順序，最後請我們一起品嘗這塊蛋糕，再簡短訴說著蛋糕的文化故事。類比現在的媒體，就像聽者自己看YouTube做蛋糕一樣，最後美味上桌，很有情境的帶入感！教授給予她的簡報方式許多讚許，因為賽普勒斯同學跟我們亞洲同學一樣，英語口語表達沒有英國同學精湛，但她透過簡報風格的設計讓我們跨過了語言的隔閡。在很多年後的政府標案評選會議，聽聞有一家廠商完全用一支15分鐘的影片來做簡報，這絕對不會有時間控制不好、或是語意不清的問題，他們也順利的成為得標廠商。從圖文編輯到影像敘事，原來，千萬別讓過往填鴨式教育限制了我們對於簡報的想像。藝文服務生與同學課堂合影，左邊兩位就是文中提到來自賽普勒斯與中國的同學。而我自己是介紹了台灣的珍珠奶茶，課前至中國城購買珍珠，早起在學生宿舍裡煮珍珠、泡奶茶並帶到學校，自告奮勇成為當天第一個講者。台灣諺語 — 呷飯皇帝大(Everyone is an emperor during eating)是我的開場，藉此表達台灣人著迷美食的文化，並開始說明國民飲料-珍珠奶茶的緣起。接著，在零下低溫的早晨，我發送了珍奶給每位同學，送到大家手中還是溫熱的，這個小心機引發了同學們的驚喜，此時我再說明台灣手搖飲的客製文化，除了甜度可以按照百分比調整外，溫度不再只有冷熱之分，還有熱、溫、少冰、去冰、完全去冰，還可以外加果凍、布丁、調整珍珠少一點等，什麼千奇百怪的要求店員都會應付。最後，讓同學實際演練點珍奶時要怎麼說。(嗯~當然是用英文說啦！)自認表現不俗，同學們也給予不錯的評價與反饋意見，雖然，這門課沒有要我們比較，但到了下午蘇格蘭同學介紹他們的國民良藥-威士忌特調的時候，我就是有一種「輸慘了」的心情油然而生！首先，這位同學沒有所謂的簡報(PPT)，她只印製了三張食譜，將ㄇ型的同學依座位分成三組，她提供了每組食譜與材料，請同學們開始製作威士忌特調，教室頓時間鬧哄哄了起來，手忙腳亂地我們反覆讀著食譜與翻找食材，怎麼看都覺得不對勁！原來每組的材料包有些許的不一樣，所以我們還需要去其他兩組索取缺少的材料，蘇格蘭同學笑看著我們在教室間亂成一團，等大家都嘗試調出飲品後，開始介紹威士忌特調就是他們小傷風感冒時家人會協助製作的飲品，有時候跟我們一樣忙亂，有時候也會缺了一些材料，無論如何，喝下去都十分溫暖！這是我從來沒有想過的分組設計，我們總是會安排好所有的材料，確保大家實作時不要出差錯，蘇格蘭同學完全破除了這個分組互動的框架，事實上從錯誤中學習得我們才印象深刻呢！藝文服務生於課堂上擔任同學教學時的觀察員，學習到快速紀錄並即時回饋的技能。那段在英國課堂上的時光呼應「風格提案的設計術 」單元中， BFA 簡報所談到的「五個設計大師不說的法則」 —①難忘的記憶點②資訊的層次分明③清楚的視覺動線④顏色運用有邏輯⑤有共鳴的互動性「難忘的記憶點」與「有共鳴的互動性」才是簡報技巧的致勝關鍵，這個部分又特別難用單向授課的方式呈現，所以「做中學」會是養成簡報技巧的關鍵，這正是《藝文寫作班》堅持學員上台表達自己寫的提案之緣由，並希望學員們可以相互共學與給予反饋意見。『政府標案 — 撰寫實戰班』上課花絮，學員在最後一周發表自己的提案簡報。『政府標案 — 撰寫實戰班』上課花絮，藝文服務生認真作筆記給予學員簡報上的建議。今年，藝文服務生最希望實踐的Micro Teaching並沒有完整呈現在教學中，因為不知道一般大眾對於花錢來看自己簡報的錄影是否能接受，透過文章的分享希望能讓大家多了解這套課程設計的初衷，同時傳遞出我的教學理念 — 簡報是可以透過設計讓人永難忘懷；簡報是需要透過練習才會精進技巧。如果你準備好了上台好好練習，期待在未來的課堂上與你相見！

### [回顧教學初衷，探索提案企劃課程設計之道—《2023藝文寫作班》課後談 (上)](https://school.taipeiartnotes.com/posts/a23005)

「執行力」轉化為「企劃力」的藝文服務生，投入策展與活動企劃之餘，亦協助藝文產業申請獎助計畫，並跨足政府標案、OT、BOT與ROT。疫情肆虐期間，有感於產業內欠缺企劃人才，許多單位連撰寫藝文紓困補助都有困難，進而探詢開辦藝文寫作課程之可能性，受到各單位的鼓勵與支持，決定走出接案舒適圈，開始企劃寫作教學工作，新的工作篇章就此展開。Taipei Art Notes官網中概述了藝文服務生的教學初衷，一如既往，期盼更多的藝文圈後生晚輩能用文字為自己爭取更好的未來！今年持續在企劃教學的道路上邁進…回顧初衷，本就想開設寫作練習的連續課程，卻無奈近年來的教學中一直無法導入寫作練習，若是收到主辦單位的邀成為講者，礙於時間限制，課程設計大多以講座、一日工作坊的方式來進行，會發現學員當下是收穫滿滿，但當場景轉換到企劃提案的鍵盤之上，卻又敲不響行雲流水般的打字音，正所謂知易行難，寫作真的是需要練習的。寫作練習導入課程設計，開始寫作正是啟動思考企劃的不二法門台灣教育習慣性單向輸入的教學模式 — 教學者不斷講述，學員單純聽講，在企劃教學中很難受用。自辦課程就是可以放膽去試，因此，今年首度將寫作練習設計在課程之中，『展覽企劃 — 策展實戰班』與『政府標案 — 撰寫實戰班』六周內都需完成一份團體和一份個人的企劃作業，一場痛並快樂著的學習之旅在這個夏天展開！「寫作力就是思考力！」來自於《精準寫作》一書中的金句，說得一點都沒錯！如同作者洪震宇在書中分享他開始教學寫作前作了功課研究、閱讀文獻、參考其他人的寫作法則，而藝文服務生也是如此，從大量的閱讀中理解自己怎麼進行企劃寫作，並在己身經歷的實際個案中找到例證，應證「寫」是如何打開思考的開關，梳理脈絡中組織出這一系列的課程教案。如果你想要成為企劃高手，那麼開始寫作吧！這絕對是啟動思考企劃的不二法門！透過「藝術小聚 — 企劃閱覽室」的活動分享教學研究中所使用的書單與案例經典案例變身企劃教案 分享個人知識管理的心法「翻閱經典案例，揭開企劃奧秘」是行銷課程的標語，也是課程設計的養分沃土。反覆檢視自己當初為何能寫出這些企劃呢？從中獲得教學的靈感，無論是展覽企劃或是政府標案，撰寫順序不外乎是：①內容研究 ②企劃發想 ③邏輯撰寫 ④校稿修正。學員依此步驟開始了企劃實戰，前三週懵懵懂懂地完成了團體作業，似乎在第五週進入個人作業的邏輯線梳理時，才開始懂了什麼是企劃寫作，彷彿用自己的作業重新複習了五週以來的教學內容，然後在第六週的成果簡報中綻放笑容，學員間分享彼此的企劃，也獲得彼此間滿滿的回饋。今年藝文服務生有了新發現，學員非常喜歡「創意文案攻心計」單元，學習下標題的技巧，產出了許多饒富趣味的金句，但標題僅是企劃提案的點睛之技，實際在展覽企劃與政府標案的實戰撰寫之中，常見學員們躊躇不前表現困惑，這現象呼應到『企劃入門 — 寫手通識課』中談到，企劃人才的養成包含了許多環節，如果對於藝文產業不甚瞭解、撰寫內容研究不夠、邏輯思考訓練不足，都容易在企劃撰寫上卡關。學生曾問：「所以策展就一定要研究內容嗎？」我回答：「你可以不研究就寫出提案，但我相信有研究的版本會更好，因為企劃會更緊密地和藝術作連結，這才是直擊人心的策展規劃！」學生也問：「怎麼在看完大量的資料後，快速地歸納整理，還能產出提案呢？」這個問題以前的藝文服務生也無法回答清楚，但在《卡片盒筆記：最高效思考筆記術》、《打造第二大腦》中文版書籍陸續問世後，終於可借用其理論解釋自己「個人知識管理」已行之有年，所以成就了「藝文寫作班」的這項知識產出。『企劃入門 — 寫手通識課』上課花絮，運用六頂思考帽來發想企劃概念『展覽企劃 — 策展實戰班』上課花絮，將手寫的便利貼經由APP轉化成可以挪動的知識卡片企劃寫作在於習慣養成，細微改變帶來巨大成就的實證法則說到底，寫作是個習慣養成。如同《原子習慣》書中所談，「每天都進步1%，一年後，你會進步37倍；你的一點小改變、一個好習慣，將會產生複利效應。」因此，從閱讀開始累積筆記，從筆記開始累積資料，從資料開始知識管理，邏輯思考所導出的企劃寫作就會誕生，環環相扣出未來的你 — 邁向企劃高手之路。如果你期待上完課就有企劃模板套用，或是寫出爆款金句與致勝提案，那這套課程要讓你失望了！我常用學英文來譬喻寫企劃，上課是給予自我學習的思維、方法以及資源，讓個人的企劃養成可以少走彎路。相信任何一個能夠教學企劃寫作的老師，都曾在職場上經歷著一個月寫好幾本或三天寫一本之窘境，你不可能不開始寫，或是寫兩份作業偷師成功的！更何況，企劃令人醉心之處，就在於用相同的材料炒出完全不一樣的美味佳餚！如果你看到這邊對於課程仍有興趣，期待在未來的課堂上與你相見！

### [博物館人的麥加 — Depot 全世界第一座對公共開放典藏空間](https://school.taipeiartnotes.com/posts/depot-boijmans-van-beuningen)

曾在 VOGUE TAIWAN 的報導中看到：Depot Boijmans Van Beuningen堪稱藝術迷的麥加。實地走訪之後，更貼切的個人說法是，Depot是任何有博物館、美術館、藝術策展、藝術行政實務經驗者的「麥加」，一輩子一定要踏上這段朝聖之旅。圖片來源：官方網站典藏即展示 — 其他大型博物館只能展出6%的典藏品，Depot承諾99%的公眾開放性！博伊曼斯．范伯寧恩美術館典藏庫(Depot Boijmans Van Beuningen)是全世界第一座對公共開放典藏空間，位於鹿特丹市中心的博物館公園裡、Museum Boijmans Van Beuningen旁，博物館自2003年啟動擴建計畫，正館預計整修至2028才開放，與此同時，新設置「典藏即展示」的藝術庫房Depot於2021年正式開幕，讓大眾可以親近博物館173年來152,000典藏品，規劃有5種溫溼度照度等設定的環境，對應14種不同材質類型的庫房，建築空間涵蓋博物館中的修復、運輸、包裝、攝影等工作場域，並同時規劃各項的教育推廣活動，讓觀眾得以一窺博物館專業工作實境，瞭解典藏工作的價值與艱辛。這棟創新的建築物是由知名荷蘭建築事務所 MVRDV 操刀，燃眉之急就是要解決位在地下室的舊典藏空間自1999年開始多次受水患之苦，館長Sjarel Ex與MVRDV更深思典藏與展示的關係：「多數的國際級博物館都只能透過展覽來展示其藏品約6%至7%的數量，而剩餘的94%全都隱藏在存庫房裡。」這個議題讓他們共創出一座具全球突破性發展指標的典藏庫，99%的Depot是都可讓公眾親眼參觀，這其中更包含了152,000件文物藏品，全都完整公開。自己在參觀前是深知上述背景的，更是以一個高期待的標準來審視這次參觀經驗，參觀後至今仍覺得非常值得推薦給所有藝文工作者，大家可以想見我當時在館內的震撼！博物館開箱 — 功能、造型、永續兼具的未來典藏空間指標將透過接下來的篇章分享經驗，為了讓大家可以更貼近現場，藝文服務生特別將Depot專書的平面圖標註中文，並剪輯了一支參觀影片，讓大家在與文章參照時，可以更加瞭解這棟建築物。碗型的Depot建築物外牆，是由1664塊鏡面玻璃拼接而成，反射出美術館公園的植栽林地與城市天際線，自然而然地融入城市景觀，也與來往的遊客形成互動，大家可以看到我這次拍攝的影片中，媽媽正對著小朋友說可以對著鏡中的自己揮揮手喔！圖片來源：取材與網路與專書繪製而成由觀眾入口進入大廳，會先碰到親切的驗票人員與正在集合的定時導覽人群，外圍二樓是觀眾的置物空間，同時也是領取進入庫房做導覽防塵衣的地方。地面樓層(Ground Floor)是對公眾開放最少的一個區域，透過平面圖可以瞭解到後方有藏品的卸貨平台、運輸作業區、包裝區、暫存區、藝術品的專屬貨梯與員工出入口，畢竟這裡是152,000件典藏品的家，出入口的設計更是以藏品為重。透過導覽員得知，其實還有平面圖上沒標註的典藏品攝影室，藏品出入都會先送拍照記錄，做好狀況檢查(Condition Report)，若第一時間發現藏品有異狀，就會討論如何即刻處理，或送修復室進行後續作業，用白話文來說，這裡除了是典藏品的家，還是典藏品的醫院呢！圖片來源：取材與網路與專書繪製而成配合著影片紀錄的順序，我們先搭乘著觀眾電梯來到頂樓，餐廳與屋頂花園讓大眾欣賞360度環景飽覽城市天際線，展現鹿特丹市景的百種千姿。種植於頂樓的75棵白樺樹，皆在建造前三年前即經過人工測試與培養，為移植做好準備。獲得「荷蘭最佳屋頂」殊榮的綠樹成蔭空間，除了是大眾舒適的休憩之所外，也如同一塊自然的吸水海綿，配合著地下室的蓄水裝置，建構雨水回收系統，建築物同時納入更多綠建築的思維，如太陽能板、地底蓄熱、LED照明等，而非炫技式地將建築做的花俏，而是更貼近使用者與自然永續的理念來設計。圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場五大藏品環境設定 十四種材質庫房 四間材質修復室真正進入館內參觀，就可以體會甚麼叫做建築物貼近使用者的理念，空間裡最多數的「使用者」是「藏品」，所以特別規劃了5種氣候區(Climate zones)分別適用不同材質的藝術品，像是金屬、塑料、有機/無機、黑白與彩色攝影等，這些庫房需要精準的設定溫度、濕度、照度與塵蟎，不僅是單純的「恆溫恆濕」即可，透過平面圖可看到14種不同材質類型的庫房的分布，以及配置有4間不同材質的修復室和2間研究室。而正因為控制藏品的保存環境條件會消耗大量能源，因此建築的宗旨在於提供最佳保存條件的前提下，盡可能地做到綠建築與碳中和的目標，所以更可以感受其規劃之難處與著眼未來的決心。圖片來源：取材與網路與專書繪製而成圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場自由流動的觀眾動線 360度藏品包圍體驗再來，第二大數量的使用者就是觀眾。空間中縱橫交錯的樓梯宛如電影《全面啟動》夢中建築現實版，藝文服務生因為做過《錯覺藝術大師：艾雪的魔幻世界畫展》展覽統籌，身歷其中更覺得彷彿走進M.C. Escher的畫中，而建築中央浮動的13個巨型透明展示櫃則是荷蘭視覺藝術家Marieke van Diemen的創作，以「3D迷宮」為概念，顛覆「導覽」動線，讓參觀者自由行走其間，不同的角度有不同發現，能以360度視角觀看博物館的藏品，享受全景式的藝術盛宴。大家可以回頭參考第一張平面圖中的Public accessibility diagram去感受參觀者動線，對於藝文服務生來說，這樣的鋪排更像是真實物件環繞的沉浸式觀展體驗，體會到原來除了虛擬(virtuality)之外，真實(reality)也能創造出沉浸式的感受。圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場館員就是你的導覽員 深入博物館工作的實境體驗參觀完後，我才排到定時導覽的機會，館內每20分鐘有一梯導覽，有區分為荷蘭文與英文兩種，想要聽導覽的觀眾必須先去抽票，票上會顯示你的場次與可以參觀的庫房，導覽員由真正的館員擔任，所以提供千奇百怪的實務問答，與台灣多數為委外執行或是志工老師來進行截然不同。導覽員會在大廳做開場，給大家Depot的基礎介紹，然後就會安排大家搭乘藝術品專屬貨梯到庫房所在樓層，貨梯的尺寸是L5W3H5公尺，這在台灣已經是非常大型的貨梯了，甚至比很多展廳高度還高呢！鑒於我抽到的正是「大型藝術品庫房」，我的職涯就是很常處理作品塞不進電梯該怎麼做，所以我就發問說，如果藝術品超過這個尺寸呢？導覽員完全沒有被問倒，他說的確仍然有一些作品超過這個貨梯尺寸，所以博物館還有另外一個建築物庫房是在地面樓層，專門典藏這些更大型的藝術品。圖片來源：自攝於現場圖片來源：自攝於現場當我們抵達庫房門口，會需要請保全來協助解除設定才能進入，設備除了密碼外還需要偵測心跳，如果是急急忙忙(或是偷雞摸狗)導致心跳太快是無法解鎖的，進入庫房前要務必套上防塵衣，進入後須先踩過有黏性的腳踏板去除鞋底灰塵，必須將隨身物品跟包包放置籃子內，才能真的進入庫房內部，導覽員親切地解說木箱、藏品架、作品拆解與組裝的方式，但因為這些都是我的工作常見的，所以我更注意的是木箱外面的標籤、文字標註等細節，大約9分鐘後，我們就必須集合離開庫房，因為保全設定非博物館工作者每次進入為10分鐘，我們就依序離開，導覽員會再花時間解說Depot的參觀重點，就結束了這次導覽之旅。圖片來源：自攝於現場導覽之後真的有一股衝動再去抽一張票啊！好想看看其他庫房內部喔！由於這次參觀加上拍攝工作已經在館內很久了，所以掙扎過後還是離開了Depot，先去填飽自己的肚子比較重要！因為也不可能收集14個庫房，有部分的庫房溫度設定在8度、照度設定幾乎是無光線(如攝影底片的庫房)，並非所有的環境條件都可以開放給觀眾進去的，同時，每個庫房都設置了八台空氣清淨機來維持空氣的清潔，其實觀眾的來去也考驗著環境控制，如何權衡典藏品的開放參觀與否，這真的是Depot在規劃之初最令博物館人感到佩服之處！典藏是一個比展覽更重要的文化議題！所以，我將Depot稱之為「博物館人的麥加」，相信專業工作者便知其中的奧義，正所謂「內行的看門道，外行的看熱鬧」，Depot絕對可以滿足大眾來鹿特丹作為一個城市景點的需求。不過，藝文服務生在出發前看Google評論時覺得很擔心，觀眾評論是有好有壞，不好的多數批評穿那白色的衣服(防塵衣)很可笑，看不到什麼作品(因為是看庫房，而且是站在玻璃外)，導覽雖然可以進去庫房內但時間很短(因為保全設定對於藏品很重要)，由此可見，一般民眾對於典藏品的認知仍很缺乏，因此做為全世界第一座對公共開放典藏空間，可以想見他們規劃到執行的各種艱辛，同時教育推廣會是至關重要的一環，這也是他們非常積極推動定時導覽的緣故。期待這會是全世界第一座但不會是最後一座以典藏為課題的博物館，也期待台灣的朋友們可以有機會深入瞭解「典藏」 — 一個比展覽更重要的文化議題！Depot Boijmans Van Beuningensee the world behind the scenes of a museum at #depotboijmansvanbeuningenhttps://www.boijmans.nl/en/depot#展覽 #博物館 #美術館 #策展 #藝術行政 #展覽開箱 #展覽筆記 #企劃寫作

### [齊柏林空間2023年度特展《覓城》：談展覽語意詮釋的重要性](https://school.taipeiartnotes.com/posts/the-city-the-flaneur)

再度踏進得忌利士洋行後棟，2018年夏天的記憶似乎被召喚，看見．齊柏林基金會正籌備進駐此地，打造唯一從高空看見台灣的影像基地「齊柏林空間」，而藝文服務生也身處於其一的策展提案團隊裡，但遺憾想法並未雀屏中選。時光荏苒，「齊柏林空間」已於2019年正式營運，繼《見山》、《逐岸》與《映河》之後，全新年度特展《覓城》以「城市」為題，跟著齊柏林的視野，改變觀看的角度與高度。圖片來源：自攝於展場這次的觀展經驗就在展場內有校外教學、現場工作人員善意提醒下開始，孰不知藝文服務生可順道觀察團體導覽的狀況，怎麼會覺得困擾呢？於是跟著一群國小學童開始邁入第一展區「輕盈與隱蔽．城市的觀看」。此時，導覽員正一張張解釋齊導作品中的地理人文故事，我恣意地漫步經過了第二展區「直覺與記憶．城市的符號」，還在納悶著為什麼有幾張平面設計的作品，待我走進第三展區「慾望與夢想．城市的共存」，看到高掛的橘色帳篷，以及齊導空拍作品旁總搭配著有帳篷身影的攝影作品，這才赫然發現展覽是用當代創作呼應原件的策展規劃來呈現，而展廳入口的總說牆似乎沒有說明這件事，於是在四個展區裡面來回尋找線索，找到了協同創作者們的簡介。圖片來源：樸實創意圖片來源：樸實創意觀展之後，閱讀了各家媒體的報導、以及在基金會的最新消息中找到我心中的答案。展覽邀請了作家鄧九雲、設計師張溥輝、影像創作者陳敏佳、社會學家李明璁等四位協同創作者，在展區中分別與齊導的作品對話，呈現他們在齊導的巨觀城市影像中，所看見的故事、被觸動的記憶，與一些思考的線索。並特別以「與想像中的齊導對話」為概念，邀請作家鄧九雲撰寫《覓城》各展區的圖說，並在第一展區中，以聲音演繹故事，引導觀眾參與對話。作家鄧九雲搭配知名舞台劇演員時一修的聲音演繹，我是在學童們離開後再進展區內欣賞的，不確定背對這件創作的孩子們是否有感受到其獨特的策展規劃；而個人最喜歡社會學家李明璁充滿生活感的攝影作品，則框在小小的平板與大大的投影做強烈的對比，小朋友們透過導覽員的引導始發現原來平板裡面也充滿驚奇。社會學家李明璁充滿生活感的攝影作品展示於平板之中。 圖片來源：自攝於展場協同創作者的聲音演繹被導覽員的聲音蓋過，古蹟作為展場都在著較難控制聲音環境的問題。 圖片來源：自攝於展場《覓城》的展覽特色在於協同創作者與齊柏林的空拍作品相互輝映，觀展中深感好的導覽員真的很重要，引導小朋友了解協同創作者與齊柏林的攝影共同欣賞的角度，美的展覽需要人的用心詮釋！展示設計應思索如何將策展的想法傳達給觀眾，展覽文案可在不破壞鄧鄧九雲對話創作下，給予一般觀眾足夠的基礎來理解一個展覽，這點在藝文服務生的視角下是至關重要的。「展覽釋讀」應是策展規劃之基礎，教育推廣的方向。看見‧齊柏林基金會 《覓城》展覽時間｜2022.12.28–2023.秋展覽地點｜齊柏林空間（新北市淡水區中正路316–1號，得忌利士洋行後棟）

### [《卡片盒筆記》的藝文企劃提案應用心得](https://school.taipeiartnotes.com/posts/how-to-make-smart-notes)

▐ 如果說 2022 年我讀過最好的筆記工具書是《卡片盒筆記》，那麼在 2023 年我可以大膽預測，最好的就是這本《打造第二大腦》。在閱讀前哨站看到站長瓦力這句話的時候，藝文服務生不僅默默認同，還覺得所有藝文工作者都可視這兩本書為必讀清單，因為書中知識管理的技巧與個人的工作方式類似，閱讀後能更系統化地精進自己的數位筆記術。這篇文章就先來介紹《卡片盒筆記：最高效思考筆記術》的閱讀心得。2022年初，藝文寫作班首度舉辦之時，有學員問我：「為什麼可以透過閱讀與過往經驗，快速地彙整出企劃提案的教學內容？」我當下很想分享我的工作法，卻又找不到一種明確的解說模式，且無法建議學員如何改善自己學習知識的方法。直到4月份《卡片盒筆記》中文版出版，閱讀期間發現自己與其相似之處，豁然開朗要如何回答學員的這個提問。知識的最小單位往往是從一則筆記開始的，《卡片盒筆記》將筆記分為三大類：靈感筆記(Fleeting Notes)、文獻筆記(Literature Notes)、永久筆記(Permanent Notes)。自己在企劃前都會累積數十甚至百則的筆記，從開始蒐集資料階段任何靈光乍現想到的關鍵字、想法、搜索結果，到決定研究主題時閱讀的資料筆記、專家想法、知識系統，進而收斂企劃提案時寫下的洞見、覺察、主題論述等，這個工作順序與《卡片盒筆記》不謀而合。差異在於，閱讀本書前我習慣將筆記寫在Google Keep上，開始寫企劃提案時，由於Google Keep的卡片無法移動順序與做群組關係，所以用Word編輯之前，我需要先行整理出來寫作脈絡，才能把筆記資料做有效的使用。閱讀後，我發現原來自己本來就是《卡片盒筆記》的實踐者，收集卡片已經是自己的強項，但在卡片整理上卻沒有章法，這個環節往往是企劃提案「腦力激盪」的關鍵，所以我很難跟他人表述，自己為什麼總能寫出企劃，透過《卡片盒筆記》我找到跟大家溝通的語言，且在教學環節中也可以帶領大家一同實踐由下而上的寫作樂趣。借助數位軟體的功能，我們可以將上述的卡片進行關聯性連結，它可以是有先後順序的重直連結，亦可以是群組式水平連結，綜合水平思考與垂直思考的優點，可將筆記轉化為提案寫作的心智圖，進而建構出企劃提案的寫作框架。這些由筆記而產生的企劃架構，最大的好處就是不用擔心言之無物，所有的筆記內容就是你寫作之本，完全不用擔心寫不出內容。而常見來應用實踐《卡片盒筆記》的軟體有Obsidian、Hepta、Roam Research，我自己使用的是Hepta，原因是簡單容易上手，且能支持台灣人所開發的軟體，其實筆記軟體如早期的Evernote到近期熱門的Notion都有人利用來做《卡片盒筆記》，如果真的是用紙本實體卡片也蠻有老派生活的樂趣，重點是應用這個方法帶給寫作的效率，而非拘泥使用什麼軟體與形式吧！關於企劃提案中最常需要的環節 — 腦力激盪，書中提到：「腦力激盪不是寫作的起點，內容不是從腦內找到，往往是從外部而來：閱讀、研究、搜索、討論。」一邊寫筆記一邊思考的人，便能夠專注在當下有興趣的內容上面，只要持續研究自己感興趣的主題，就可以累績出實際的素材。因此，藝文寫作可以源於自己的第二大腦，一個清楚值得信賴的資訊結構來產出內容，從今天就開始養成做筆記的習慣吧！卡片盒筆記：最高效思考筆記術作者： Sonke Ahrens譯者： 吳琪仁出版社：遠流

### [《勒內・布里：視覺爆炸》展現研究型策展的魅力與難處](https://school.taipeiartnotes.com/posts/rene-burri-explosions-of-sight)

一個晴朗的午後，工作空檔來到臺北市立美術館欣賞《勒內・布里：視覺爆炸》，對於這位當代攝影大師勒內．布里（René Burri），我僅有微薄的一點認識，就是知曉其一張標誌性肖像《抽雪茄的切格瓦拉》（Che with Cigar，1963）而已。勒內．布里，《切．格瓦拉》，2005年之後，繪於在鹿特丹舉辦之「2005–2010回顧展」邀請卡上的複製畫。 © René Burri / Magnum Photos. Fondation René Burri, courtesy Photo Elysée, Lausanne.閱讀展覽總說，瞭解本展為洛桑愛麗舍攝影博物館（Photo Elysée）歷時六年、對布里之作品與生平進行全面性研究的成果，涵蓋布里基金會（Fondation René Burri）與家族收藏，以及巴黎與紐約馬格蘭攝影通訊社的檔案。同時，獲得初步的觀展線索 — 展出循兩大主軸開展其豐富多采的人生跡線，從十二個焦點展現布里創作過程的關鍵元素。我隨即左轉進入到了「繪畫」與「拼貼」焦點展區，看著勒內・布里從小就愛在紙上塗鴉，以及嘗試在攝影創作上做出改變，將拍下的照片做重組、蒙太奇式的拼接。當我轉進到「一個世界」展區中，瞬間明白自己觀展順序倒置，黑框所呈現的焦點展區仍緊扣主題，但白框的攝影作品年代越來越小，原來白框作品所呈現的則是勒內．布里一生的軌跡，頓時才領悟到總說牆上的兩大主軸，其一是「時間」，也就是轉化展覽常見年表的展示手法，將攝影師生命中重要事件依時序貫穿其中，饒富趣味且能納入更多展品的方式呈現。展廳入口，圖片來源：自攝於展場「繪畫」與「拼貼」焦點展區，圖片來源：自攝於展場將錯就錯地看完展覽，顛倒的觀展動線又如何呢？當你瞭解了策展的脈絡，更能發現展覽觀眾詮釋的自由，也無損一個觀眾對於展覽的理解與喜愛。《勒內．布里：視覺爆炸》的策展難度在於需處裡超過500件作品與文件檔案，研究型的展覽該如何呈現觀眾，這個課題凸顯了展覽詮釋的重要性。洛桑艾麗舍攝影博物館展覽製作最精彩之處，就是將展品做『主題式』與『時間序』雙主軸的展廳呈現，讓500件展件進行了展覽語彙的有序編排，是一個可以輕鬆看亦可深入看的當代攝影展。能夠巧妙地進行展覽敘事的編排，須建構在對於展品的深刻瞭解，這也就是研究型策展的迷人又困難之處，展覽由兩位專業不同的藝術工作者擔綱策展，其中馬克．多納迪尤（Marc Donnadieu）本身就是經驗豐富的策展人，另一位梅蘭妮．貝特里西（Mélanie Bétrisey）則為專業研究者，策展前費時五年閱讀、梳理藝術家的檔案，並從中找出有趣的軸線與焦點成為展覽的內容組成。已經很久沒有看到令人欣喜的研究型展覽，主因是近年來充斥著許多速食展演，較無相關研究來支撐展覽深度；再者，研究員主導的展覽往往觀眾又很難理解，沒有觀眾視角的思維策展與展示設計，加上艱澀的研究論述躍上展牆，較難引發大眾共鳴。作為一個常年策畫售票型藝文展演的工作者來說，期盼的「策展」是搭建一座寓教於樂的橋樑，拉近觀眾與藝術之間的距離。圖片來源：自攝於展場圖片來源：自攝於展場圖片來源：自攝於展場展覽十二個焦點個個精彩，僅先選出三個令人印象深刻的策展詮釋：《切・格瓦拉》聚焦於這張經典照片背後的故事，除了當時刊登的報紙，還展示飛到古巴哈瓦那拍攝的護照，以及數十張底片印樣，透過圈選的痕跡，彷彿跟著攝影師一同經歷了拍攝過程。圖片來源：自攝於展場《中國》為勒內．布里本人於2004–2005年間親自帶回來的中國地圖為背景，他在各地拍下的照片也與城市對應呈現，展現他自1964年起多次前往中國訪問紀錄之創作軌跡，以及他創作當下的背景脈絡。圖片來源：自攝於展場《結構》展現策展人作為觀察者所梳理出勒內．布里的三大攝影特色：雙平面、光影對比、前景模糊。展牆分成三大區塊且各自有大量的作品可以參照對應，十足展現出其獨特的攝影魅力，也讓我個人想要開始嘗試前景模糊的拍攝技巧了！勒內．布里，《在屋頂上的四個男人，聖保羅，巴西》，1960。｜© René Burri / Magnum Photos. Fondation René Burri, courtesy Photo Elysée, Lausanne.勒內．布里，《尤夫，瑞士》，1967。｜© René Burri / Magnum Photos. Fondation René Burri, courtesy Photo Elysée, Lausanne.而白框所呈現勒內．布里的生命故事，由於個人在觀展前對於他的認識有限，並無太多共感之處，展件旁並無相對應的說明牌，本意是邀請觀眾自由瀏覽，沈浸於沒有標題的展件尋找意義。但對於基礎認識有限者就較為可惜，從旁的導覽手冊雖可作為輔助，但卻無法取下對照，電子版型源於瘦長的印刷版，手機又顯示不佳，算是唯一的美中不足吧！圖片來源：自攝於展場勒內．布里 ： 視覺爆炸René Burri．Explosions of Sight展期｜2023.03.18－06.18地點｜台北市立美術館 3A、3B展覽室

### [《teamLab未來遊樂園&與花共生的動物們》觀後感 — 台灣數位藝術展演能否走入全球？(下篇)](https://school.taipeiartnotes.com/posts/teamlab-part2)

teamLab的成功在當代絕非一枝獨秀，近年來數位藝術展演如雨後春筍般遍地開花，若放眼歐洲，一定要提及的案例絕對是2018年由法國私人藝術機構Culturespaces所籌畫，採用藝術與音樂沉浸式體驗AMIEX（Art & Music Immersive Experience）技術，打造巴黎一座數位藝術博物館 — 光之博物館Atelier des Lumières。Atelier des Lumières《Gustav Klimt》照片來源：Culturespaces沉浸式體驗主流化 光之博物館一炮而紅位於巴黎11區的光之博物館原為1835年建成的廢棄鑄造廠，館內可以看見當時鑄造廠冷卻水池的凹槽、煙囪、乾燥塔和水箱等，翻新後於2018年開幕， 首檔展覽選擇了以《吻》聞名的奧地利畫家克林姆（Gustav Klimt）為題，團隊致力於以科技投影結合藝術創作，取材畫作的視覺元素，重組為動畫影像，並以140台投影機從天花板投影到地板或牆面，讓經典藝術作品滿佈於占地3300平方公尺且高10公尺的廣大空間中，配合立體環繞音樂與節奏流轉，讓觀者身歷其境，全然跳脫出傳統畫框式靜態為主的觀展方式。《Gustav Klimt》特展的成功地迎來超過65萬參觀人次，足以顯示沉浸式體驗藝術蔚為主流的新趨勢。如同光之博物館主管Michael Couzigou曾在報導中表示，數位藝術可以做為接觸圖像藝術的入門方式，並且推廣利用現代的技術發展了解文化，讓文化融入現代。數位科技讓藝術變得更加親近 觸動觀眾的情緒感知就此之後，光之博物館成為一個指標型的案例先驅，潮流話題不斷的場域，也吸引了莉莉·柯林斯（Lily Collins）主演的Netflix劇集《艾蜜莉在巴黎》（Emily in Paris）選入場景拍攝，成為全球廣為人知的數位藝術博物館。《艾蜜莉在巴黎》劇中場景 照片來源：Netflix數位科技在當代的展覽當中變的舉足輕重，主因是它可以用來實現創意，讓藝術有了不同語彙的表現形式外，它還能夠連結不同時代的時空背景，為藝術作品增添活力，Culuturespaces 總監 Bruno Monnier也談到，「數位科技增強了人們對藝術的情緒感知，讓藝術作品盡可能地接觸到最多的觀眾族群。」也許這就說明了近年來沉浸式藝術的流行的主因。跳脫單一展覽授權巡展 長期規劃與全球布局成了發展關鍵早於2018年光之博物館開展前一年，因為自己的工作職掌需要進行國際展演引進台灣的評估，因此有幸比較了當時三大國際公司數位投影展覽的案例：Universal Exhibition Group所規劃的《Klimt Experience》、Grande Experiences的《VAN GOGH ALIVE — THE EXPERIENCE》，以及 Culuturespaces的AMIEX系列展覽。《再見梵谷 — 光影體驗展》 照片來源：KKLIVE三大公司的展覽內容皆是取材自大師級藝術家的經典創作，如克林姆、莫內、梵谷、達文西等，運用數位科技的方式進行當代展演的詮釋，在2017年有限的資訊來看，平心而論並不能精準評估到展覽實際的效益，做國際展覽引進入台的評估案，彷彿就是一場豪賭，努力地蒐集資訊也未能客觀地評價一個展覽。而上述三案最終引進台灣的就是Grande Experiences所製作的《再見梵谷 — 光影體驗展》，2020年於台北新光三越展出，今年同一場地則正展出另外一個主題《印象莫內 — 光影體驗展》，原本Universal Exhibition Group的《Klimt Experience》原也有機會引進來台，最終很可惜無法促成，不知道大家是否會好奇最受矚目的Culuturespaces機構所策劃的AMIEX系列展覽難道沒有策展公司接洽跟引進嗎？實情是當然有台灣的公司去進行洽談，但不同於一般展覽業界的普遍都以「單一專案」的視角來做思考，Culuturespaces機構在籌備光之博物館之初就有了明確的規劃與全球布局的策略，機構希望在亞洲只跟一個地區合作，且合約年限一簽就是三年，以每年一展的方式共計推出三個數位藝術特展。長期合作的商業合作條件在巴黎光之博物館尚未成功之際，實在是讓台灣的投資者卻步，最終Culuturespaces選擇了跟韓國合作，光之博物館的姊妹館- Bunker des Lumières落腳於濟州島，台灣也因此與這個系列的展覽成了失臂之交。除了巴黎與濟州島的場館，如今Culuturespaces 已在波爾多開設全球最大的數位藝術中心Bassins de Lumières ，與美國合作方達成雙方聯盟合作的協議，2022年將在紐約開設the Hall des Lumières，同時發展了杜拜、首爾、阿姆斯特丹等地的長期合作計畫。策展與製片的雙重核心 打造敘事完整的沉浸式體驗在評估案結束的兩年之後，我終於有機會到巴黎參觀光之博物館，當時展出的展覽是《Van GoghStarry Night》，那些資料文件上的規格與示意突然轉化成空間詮釋的時候，你才會發現到真實展演的力量實在不容小覷，即便已非常瞭解場域的尺度、設備的規格、展示的內容、精選的畫作，甚至看過了無數篇媒體的報導與觀眾的影音拍攝(這些都是在做評估需要蒐集的資料)，都無法比擬現場觀賞的震撼，這應該會是近幾年來我看過的沉浸式體驗做的最好的前段班。《Van GoghStarry Night》 照片來源：自攝於光之博物館比較的基準點是，展覽是一個超過30分鐘的製作，如果是影片來比喻，它是不是廣告短片，而是一個敘事長片，怎麼樣用場域在這麼長時間來表達策展理念就變得非常重要，如同在電影院裡怎麼樣讓觀眾覺得分秒精彩又可以輕鬆的進入故事軸線。當今許多沉浸式的展演，大多是數個短片串聯而成，短片與短片的相連之際就是簡單的暗場處裡，但如果短片過多暗場頻繁出現的時候，沉浸式的體驗就一直被打斷，有種讓人很想沉浸其中卻一直被拉回現實的感受。所以，用一個完整的秀來規劃的沉浸式展演會難度較高，在製作的環節從取材選件、腳本內容、美術設定、分鏡、運鏡、剪輯、音樂上都需要環環相扣，還不能只是用影片製作的角度來思考，必須得加上展覽原本需要思考的問題，如觀眾的動線視角、展覽分區、展示文字、製作作品與場域的關係等，也鑒於這是一項新興的展演類型，在沒有既定的製作SOP可以複製的情況下，目前沉浸式體驗的展演完成度可以說是參差不齊。整合力X策略力 是台灣產業需要培養的關鍵teamLab 與 Culturespaces兩個團隊呈現出截然不同的發展歷程，對於台灣產業的啟示就筆者的觀察來說，台灣產業的技術人才不缺，但缺乏軟硬整合的核心組成，往往對於科技技術的規格野心過大，但對於市場觀眾的設定又野心過小。舉例來說，台灣普遍非常專注在探討新科技的技術層面，卻忽略了要應用在展演當中的技術需要相對成熟，所以在科技的選擇上，實驗性質的案例可以不斷探究科技與藝術結合的可能性，但落入推廣與一般觀眾接觸的展覽裡，數位科技應思考其與藝術結合的本質是否能為展覽詮釋加分，且穩定的技術才能創造更加的觀眾使用者經驗。而業界一般在製作數位藝術展演的時候，往往侷限在單一專案的思維角度，甚至單一專案的未來發展也沒有顧及，主因是製作團隊常常就是拿了經費之後就核銷完畢，特別是政府的標案或是補助案更是如此，不像teamLab 與 Culturespace 是私人機構，對於團隊的未來發展相對重視，因此對於作品推廣到各地從製作者到投資者皆有共識，反觀台灣，以全球作為市場疆界的思維目前在策展圈內仍不算主流，就算有這樣的遠見，卻沒有具體推動的策略與行動。期待未來台灣能站上世界數位藝術的舞台除了日本的teamLab、法國的Culturespace 所主導的數位藝術館舍已經在各地開展，英國首個沉浸式數位藝術展覽空間「Reel Store」也即將於今年將於考文垂（Coventry）盛大開幕，近幾年相關的案例已經是不計其數，慶幸不是現在要來做評估案，否則可能研究案例的時間會難以估計了吧！但，可以確信的是未來觀眾的選擇將更加多元，而台灣能否發展出站上全球的數位藝術團隊呢？相信我們都還是有所期待！▐《teamLab未來遊樂園&與花共生的動物們》觀後感 — 台灣數位藝術展演能否走入全球？(上篇)

### [《teamLab未來遊樂園&與花共生的動物們》觀後感 — 台灣數位藝術展演能否走入全球？(上篇)](https://school.taipeiartnotes.com/posts/teamlab-part1)

從互動科技(Interactive Art-Tech)到沉浸式體驗(Immersive Experience)，從新媒體(New Media)到虛擬實境(Virtual Reality)，數位藝術展演已蔚為顯學，在全世界大鳴大放。借鏡東西兩大經典案例：日本藝術團隊teamLab和法國光之博物館Atelier des Lumières，討論台灣數位藝術展演的未來。<與花共生的動物們II> 照片來源：自攝於科教館展場現正於國立臺灣科學教育館展出的《teamLab未來遊樂園&與花共生的動物們》，這是teamLab團隊第二度呈現給台灣的特展，也是我第五度參觀該團隊的大型企劃展。teamLab二度來台 華山場展現藝術性 科教館優化技術性2021年受到疫情動蕩的衝擊，《teamLab未來遊樂園&與花共生的動物們》在上半年進場完成後就面臨被迫閒置軟硬體的窘境，直到下半年才終於開放參觀。二度來台展出的teamLab果不讓人失望，技術提升後的多項作品，如「天才跳房子」跟「塗鴉自然：迷失、沉浸與重生-紅色名錄」，將實體展覽才能體驗的共創理念發揮得更淋漓盡致，展廳也因為科教館建築本體優勢，在展區切分與遮黑處裡上更為細膩，全然地改善了前一次華山文創園區的古蹟限制。然而2017年的《teamLab: 舞動！藝術展& 學習！未來の遊園地》絕對也是經典之作，藝術性的呈現讓人印象深刻，作品如「水晶宇宙」、「花與人，不為所控卻能共生」等，可以感受到teamLab獨特的美學呈現，講述著自然生滅和與人共生的關係，更能跳脫科技互動的框架，達到藝術透過展覽形式呈現觀點的真諦，作品「塗鴉自然」除了保留群體共創的趣味外，起伏的斜坡營造出動物流動的疆界，也創造出追逐動物留影的觀眾一種新奇體感，讓人更有「全身沉浸式」（body-immersive）的觀展感受，也與團隊在日本台場《teamLab Borderless: MORI Building DIGITAL ART MUSEUM》、豐洲《teamLab Planets TOKYO》等大型展的展館設計理念更加貼近。《teamLab: 舞動！藝術展& 學習！未來の遊園地》 圖片來源：teamLab官方網站十年磨一劍 teamLab蛻變的進化歷程創立於2001年的日本藝術團隊teamLab，透過創作實踐探索藝術、科學、技術、設計，以及與自然界的交匯關係，並以來自不同領域的專家所構成，目前團隊成員已成長至超過600人。來自teamLab團隊的工藤岳（Kudo Takashi）曾在來台的講座提及，團隊成立10年後，teamLab的作品才似乎突然進入了藝術世界的視線之中，在那之前團隊的作品是長期被忽視的。teamLab草創初期做了許多領域與類型的作品嘗試，還接手了不少商業廣告商案，藉此累積名氣，2011年起開始向外發展，透過作品的參展與國際獎項的肯定，逐步站穩藝術圈的地位，2015年在東京首次開幕的特展中成功吸引近50萬觀眾入場，更被「designboom」譽為該年全球前十大必看藝術展，爾後於新加坡、美國、泰國、韓國、台灣等地巡展，近年來更創造出數位美術館(Digital Art Museum)的形式，於東京、上海等地常設展出，2024年將拓展至歐洲，《teamLab Borderless Hamburg: Digital Art Museum》計畫落腳於德國漢堡創立。《teamLab Borderless: MORI Building DIGITAL ART MUSEUM》照片來源：自攝於台場展館teamLab總監豬子壽之（Toshiyuki Inoko）接受專訪曾提到，關鍵在於2015年展覽受到觀眾的喜愛，才讓團隊萌生了巡展世界的想法。這短短數年間，以藝術團隊而言，teamLab已經發展到非常驚人的規模，同時開創了前所未有的經營路線，果然，十年磨一劍，嶄露身手之際令全世界都驚艷！突破科技技術的形式框架 實踐藝術創作的理念傳達teamLab之所以成功，絕非是科技形式上的呈現，而是想法概念的實踐。略有資訊背景知識的朋友應該不難發現，teamLab很少使用過於艱澀的程式語言或是追求新穎的互動科技，也暫無納入當今最流行的虛擬實境(VR)，反而提出「全身沉浸式」的想法，以自有的藝術語彙詮釋了沉浸式體驗。展示中軟硬整合的技術，最終還是回應到「共創」的理念之中。技術的穩定性絕對是打造美好觀眾經驗的一環，同時是成就團隊理念的基石，而非炫「技」。teamLab技術層次也不是多難吧！這樣的聲音確實可在台灣業界中聽見。我們該要思考的是，最新的科技到底帶給藝術什麼呢？我們都曾有的觀展經驗是，開展沒多久就碰上「展品維護中」的告示牌，維護的時間比展出的時間還要久。或許是策展方忽略了測試調校的時間需要預留足夠，亦或是創作者過於急躁的技術野心，若能在技術與藝術中取得平衡，並覺察不斷測試的重要性，才能為觀眾打造出穩定展示的數位藝術展。理念與技術的緊密結合，數位藝術展覽需言之有物我們到底要透過數位藝術展覽說什麼？ teamLab在展覽裡所有的作品提出了「共同創作」的概念，展覽的趣味在於現場有別人在，人與人之間的關係在透過科技互動展現。同時，團隊獨到的空間美感根源於東亞藝術對於空間的觀念，teamLab Kids CEO松本明耐曾說，「東方藝術美學裡強調可居可遊的空間感，人跟人、人跟世界與事物之間的邊界，是模糊曖昧的。」這幾年團隊常以Borderless為題，與西方傳統繪畫在遠近法或是透視法中，產生觀看的方式不同，teamLab營造了無邊界與曖昧的存在，透過數位科技正好可以放大邊界的無限。因此，teamLab的展覽與作品無須過多的展場文字或是語音導覽，觀眾很容易進入這個展演新世界，關鍵還是在於理念與技術的緊密結合。《teamLab Borderless: MORI Building DIGITAL ART MUSEUM》照片來源：自攝於台場展館台灣的現況專業人才不缺、硬體技術也不輸人，我們缺乏的是野心與策略，更重要的是團隊的整合，借鏡日本藝術團隊teamLab的發展歷程，我們正好可以思索己身未來發展的途徑。下篇我們將比較法國光之博物館Atelier des Lumières，看其異同與檢視自我。

### [植物典藏的華麗饗宴：英國皇家植物園巡禮](https://school.taipeiartnotes.com/posts/kew-gardens)

1759年皇家植物園成立，宣示大英帝國領導全世界科學發展的決心。隨著日不落國在世界建立殖民地，探險家也帶回許多標本資料，遂使英國在植物學領域獨步全球，皇家植物園更匯集了世間奇花異種，堪稱世界首屈一指的科學知識庫。250多年來，這座植物學堡壘收藏了海內外的珍貴知識，也留下不少引人深思的故事……這段文字來自博客來網站《英國皇家植物園巡禮：走進帝國的知識寶庫，一探近代植物學的縮影》的介紹，讓我毫不猶豫地買了這本書，閱讀間感受到植物世界的新知識。以往，我只喜歡收集植物插畫圖像，例如《植物博物館》就是一本大開本的植物繽紛圖像集，但從未深入的了解植物研究的歷史變遷，透過《英國皇家植物園巡禮》250年來的勾勒，讓我更加好奇想要來參觀這座英國皇家植物園(Royal Botanic Gardens, Kew)。幅員遼闊的植物園前世與今生在倫敦的日子天氣異常的晴朗，我選了一個好周五－Good Friday（耶穌受難日）來到邱園（Kew Gardens）接受人潮的洗禮，遠離英國生活太久，對於這樣的日子已經缺乏敏感度，但從車站綿延至邱園門口排隊購票的人潮，還以為是要去參觀巴黎的凡爾賽宮了！門口英國人嘲諷的埋怨不絕於耳，插隊互相指責的戲碼也是輪番上演，我一度懷疑人生，到底是來看人間劇場還是植物萬象呢？好在耐心入場之後，占地121公頃的園區足以稀釋這股萬頭鑽動，走遠一點就可以感受到自然，還是可以大口呼吸，這就是邱園的優勢，坐落在泰晤士河畔，一望無際的草毯公園。不同於17世紀所建立世界最早的兩家植物園，牛津大學植物園(University of Oxford Botanic Garden)與愛丁堡皇家植物園(Royal Botanical Gardens, Edinburgh)，皆是源自於當時植物學家科學研究的藥草園，邱園則是由皇家園林轉變而成，1759年，威爾斯親王腓特烈的遺孀奧古斯塔王妃，派人在所住莊園中建立了一座植物園，這便是邱園的前身，演變至今，邱園收藏了5萬多種植物，占世界七分之一的已知植物物種，擁有20座專業花園，40座歷史建物，依據綱、目、科、屬、種的邏輯，搭配生態條件進行植物的典藏展示，顯示了自維多利亞時代日不落帝國的殖民野心，與當今政府持續支持植物研究的經營成果。溫室中遇見全世界 也看見臺灣來到園區最著名的溫帶植物室(Temperate House)，是現存的最大的維多利亞時代玻璃鋼結構建築，工業革命的歷史足跡總是不容抹滅地呈現至今，溫室展示依據地理位置分布，南北兩翼為溫帶植物，北為亞洲到澳洲、大平洋島嶼，南為地中海與非洲，中間區域則展示了亞熱帶，還有影響世界的經濟作物等，在這座溫室裡，彷若環遊世界一圈，看盡1666種亞熱帶和暖溫帶的植物。當然你也可以在這裡『發現臺灣』！溫室裡展示了臺灣特有種－臺灣肖楠(Taiwan Incense Cedar)，為世界珍貴的香木植物之一，台灣肖楠香氣最為內斂溫和，相較於美國、中國與越南種，紋理和質地最為細緻厚實，是肖楠屬之冠。我也是透過這個機緣，在倫敦搜索臺灣，才能更加了解自己土地特有的植物，實在是一個驚喜的收穫！藝術融入自然 裝置展覽精彩邱園也經常與藝術家合作將藝術裝置融入植物生態中展示，例如2017年邀請了東倫敦的花卉藝術家Rebecca Louise Law，展出《Life in Death》，展覽總共使用約375,000個乾燥花，歷時六個月完成作品，成千上萬的花卉絢爛吊掛，訴求省思大自然與人之間的關係。今年，邱園與美國當代玻璃藝術家 Dale Chihuly（戴爾．奇胡利）合作，策畫期間限定的特別展《Chihuly: Reflections on Nature》，讓邱園華麗變身成一座露天的當代藝術館：當你踏入草坪，《藍寶石星辰（Sapphire Star）》及《夏日驕陽（Summer Sun）》以冷熱兩種不同意象矗立綠意之中；當你步入到著名的Temperate House，從上懸吊至水中飄浮，作品與植物生態相互輝映，緊扣展覽主題Reflections on Nature；當你步出溫室，還可以看到櫻花林、鬱金香、玻璃裝置上中下相依相存，無論是色彩、材質、位置都在綠意裡做了對比，感受到藝術融入自然的氛圍。然而，邱園的植物典藏實在是看也看不完，陸續參觀了棕櫚室（Palm House）、威爾斯王妃溫室（Princess of Wales conservatory），更抓緊時間享受漫步在草毯上的感受。The Hive永續自然的理念在邱園展開此行最終站是早已下定決心要看Wolfgang Buttress的作品－The Hive (蜂巢)，此為2015年米蘭世界博覽展出的英國館，2016年決定於邱園重現的時候，就十分吸引關注。反觀臺灣，2010年轟動上海世博的臺灣館，天燈的造型雖有幸落腳於新竹，但至今仍營運不善，甫落幕的臺中花博，由豪華朗機工打造地表最大的機械花－聆聽花開的聲音，絢爛褪去過後，是否還能與自然融入的永續展出呢？博覽會這般爭奇鬥艷的產物，往往隨著展期結束消失毀滅，在這倡議永續循環的口號世界裡，這件作品算是少數可以真實展現理念又持續存在的藝術裝置。最重要的是它與邱園環境做了很好的結合，蜿蜒坡道而上的兩側，花朵搖曳與蜜蜂採蜜，完全利用自然生態呈現出作品所警示的問題，裝置底層開始讓人彷如進入蜂巢，聲音來源擷取自即時蜂巢，一千多顆LED燈泡，強弱和頻率設定取樣於蜜蜂彼此的即時溝通，鋁製結構交錯而上，看似抽象確十分具體體現蜜蜂群聚的生活，讓人很容易連結這件作品的意涵，The Hive這件作品，通過藝術、科學、音效和景觀結合，有著多重層次的體驗過程，著實令人喜愛。植物園打造出了植物世界的萬千氣象，若想要持續享受這份清新自然，是否我們都該為大地盡一份心力呢？在這一趟植物與藝術的饗宴之旅後，實在是深有感觸！英國皇家植物園/邱園Royal Botanic Gardens, Kew/ Kew Garden地址：Kew, Richmond, London, TW9 3AE官網：https://www.kew.org/

### [《Christian Dior: Designer of Dreams》迪奧展覽數字背後的秘密](https://school.taipeiartnotes.com/posts/christian-dior-designer-of-dreams)

圖片來源： https://madparis.fr打破了巴黎裝飾藝術博物館(Musée des Arts Décoratifs，MAD)與倫敦維多利亞與艾伯特博物館(The Victoria and Albert Museum，V&A)超過百年的歷史紀錄，《Christian Dior: Designer of Dreams》成為兩館有史以來最受歡迎的展覽，樹立了時尚展覽的新高標，除了滿滿的人數，展覽背後我們還可以看見什麼？2019年4月的一個早晨，我成為V&A門口人龍的一名，排隊等候開館所販售每日限量的展覽門票，重溫《Christian Dior: Designer of Dreams》這個讓我兩年前在巴黎驚艷的時尚展，很幸運地，我從STAFF手中拿到了號碼牌，是一種保證你今天一定可以購票入場的幸運符，即使如此，我還是需要在人潮裡耐心等候，大約40分鐘後，我獲得一張下午才能入館的門票，但我卻不以為意，這就是倫敦看展的文化－時段票，比起在門口排隊了幾小時，進去展廳還要擠來擠去，我更喜歡可再依時段前來看展。想到2017年10月，我可是做足了功課得知持巴黎博物館通行證(Paris Museum Pass)就可以直接購票入場，免於在馬路上苦苦排隊購票入場，依據當時的報導，最長等候時間可是長達4小時呢！千萬別以為時段票就有多美妙！V&A的門票票價為20英鎊起，假日熱門時段為24鎊，但MAD票價僅為11歐元，這個相差兩倍的價格差距，隱藏著許多展覽策畫的權衡與文化差異。《CHRISTIAN DIOR, COUTURIER DU RÊVE》/ 巴黎裝飾藝術博物館2017年7月群星聚集的《CHRISTIAN DIOR, COUTURIER DU RÊVE》在巴黎裝飾藝術博物館盛大開展，為DIOR慶祝品牌70周年的匠心之作，展出1947年至今超過300件的高級訂製服，以23個展覽主題宣示迪奧時尚帝國的功績，帶領觀眾走進迪奧先生的宇宙世界，發掘他一生創作的歷程與故事，也展示品牌自成立至今的傳承與創新，包括歷代藝術總監Yves Saint Laurent、Marc Bohan、Gianfranco Ferré、John Galliano、Raf Simons，以及現任Maria Grazia Chiuri的作品。展品以Dior Héritage與MAD的藏品為基調，廣納Granville Dior博物館、舊金山美術館、大都會博物館、V&A博物館、凡爾賽宮、橘園博物館、凡爾賽宮、龐畢度中心等館舍收藏，鑒於高級訂製服的織品材質運送、保存與展示有其限制性，展品方面就已呈現出僅一為之的獨特性。展示敘事以時間序為主帶入主題分區，在近3,000平方公尺的展示空間，輔以多媒體、歷史文件、時尚物件、影像、畫作、裝置藝術、光雕Mapping等元素，開創了時尚展覽在博物館展出的種種先例，成為一個難以超越的展示標竿。《Christian Dior: Designer of Dreams》/ 倫敦維多利亞與艾伯特博物館《Christian Dior: Designer of Dreams》在2019年2月於V&A再現DIOR品牌風華，以兩年前巴黎展為基礎，展出超過200件高級訂製服，以11個主題分區呈現迪奧先生的時尚世界，回顧他創立品牌前的人生經歷，和那些深深影響他的因子：18世紀的巴洛克（Baroque）、洛可可（Rococo）藝術、20世紀初美好年代（Belle Époque）的文化氛圍、花卉與園藝，展覽最重要的是探索Christian Dior與英國之間的密切關係，以及增加了V&A的館藏以及從英國各處蒐集來的展品。特展選在V&A塞恩斯伯里美術館（Sainsbury Gallery），為館方歷時六年打造於2017年落成啟用的新特展室，展廳為一個1,100平方公尺的無柱展覽空間，其面積相當於10個奧運會規格的泳池。此展覽空間將以當代藝術為主，同時也是英國最大的臨時展覽場館之一。巴黎展：展示設計的難以超越我們先排除展品內容的豐富度做比較，因為DIOR身為法國的品牌，倫敦展覽僅為海外巡展，巴黎展品內容略勝一籌是理所當然的優勢。巴黎展廳為倫敦展的三倍大，碩大空間對於展示設計來說只是挑戰絕非優勢，品牌展要兼顧精品的奢華與細膩，還有展覽內容的傳達語彙，這點的確可以感受到巴黎展示設計的難處與用心。我和兩位朋友在巴黎觀展的時候，老實說我們都沒有時尚背景的知識，但三個都有平面設計的能力，並在求學階段受到美術教育的訓練，當我們一踏進去展廳，就開始無限驚嘆與找尋答案：這多媒體怎麼鑲嵌或是投影在牆面上？這片牆是輸出嗎？是透明質感嗎？這牆面與展示座是甚麼樣的表面處理？這收邊條如何可以做得跟日本職人一樣？這無限延伸是哪裡加了鏡子？這光雕投影的攝影機架設位置在哪？如果連有設計背景的人都可以心服口服，那麼這展示設計成功之處是，除了有驚豔大眾的表現手法，也蘊含著細膩製作的職人堅持。展示設計中我最喜歡的部分為『迪奧的祕密花園』(Les jardins de Monsieur Dior)，展示設計的靈感來源自迪奧先生家中的花園，為了重現花園的植物生態，設計師在不同區選用了不同的花材做紙花設計，運用了鐵線蓮、紫藤花、百合和玫瑰等，先用電腦設計，再進行雷射切割輪廓，每一朵花卉需要由人工巧手組合，才能慢慢的組合出成千上萬的紙花花園，展示現場燈光營造的白色紙花，成為以花園為設計靈感的服裝作品最適切的展示造景。展覽的經典之作就是『迪奧的舞會』(LE BAL DIOR)，是為了MAD展示大廳特別量身打造的光雕投影，靈感之源是穿著DIOR華服出門參加舞會的「精心打扮」的女子，於是將MAD場域透過光雕投影成19世紀風格、以凡爾賽宮鏡廳為本的舞會場域，故事線以設計師的手稿引入夜幕來臨做為開端，轉場進入凡爾賽宮鏡廳，光線點亮了展廳，Dior的高級訂製服展示於展台之上，華麗的舞會正展開，呈現出在日出之前的「舞會之夜」。光雕投影動用了16台大型投影機，各區投影需對於建築物有精確的測量，才能透過後期的影像製作，融合出從牆面到天花的全區投影。反觀倫敦展，建構在前展的基礎之上，沿襲了許多展示設計元素，如鏡面無限延伸、色彩分類展示牆、紙花花園、宴會光雕投影等，已經可以跳過設計研究與發想階段，直接可以進入現地的空間規劃，但最終呈現出來的細節，如平面大圖輸出、空間收邊條、3D投影機擺設位置等等面向，倫敦展都展現出略為不足的細節掌控度，這點對於年輕時待過百貨業的我，了解到精品業對於輸出貼不好就是換掉重貼的堅持，所以更是可以看到一些藏於微小之處的重要關鍵，『Devils in the details』：魔鬼存在於細節之中，這是倫敦展較為可惜的地方。倫敦展：觀展文化的深植人心若將奪人眼球的華麗展示作為評斷展覽的唯一標準，那也是淪於端看表面的思維。作為一個曾經執行果展覽現場營運的工作人員，我更能深刻體驗倫敦展覽營運的細微之處，端看這次的觀展經驗來說，仍然重溫了英國策展思考觀眾的一些堅持：(1) 貼近各種族群的票務設計：雖然預售時段票可以有效的控制博物館展廳的人流，但是熱門展賣票總如流行巨星演唱會般地秒殺，V&A仍保持著每天現場限量釋出的部分票卷，作為一個具有使命感的大眾博物館，同為英國重要的觀光聖地，館方思考著將展覽不該只為文青與時尚族群的小眾服務，每日限量販售的票券仍兼顧了一般觀眾與初來乍到的觀光客族群，以商業特展的思維來說，是非常花費現場人力的堅持項目，除了開館前STAFF就必須至館外控管人流，發放號碼牌，安排不影響正館動線的排隊隊伍等等，且需要一個小時才能消化賣票人潮，種種的吃力不討好，若單考量營利是不會這樣做票務規劃的，這方面的確是十足的博物館思維，而MAD僅是讓人潮在大馬路旁排隊，營造出展覽的品牌朝聖感，卻失去了博物館應該有的觀眾關懷。(2) 貼心的展覽觀眾設施：人流在時段票的控制下，展廳已經相對的舒適許多，V&A仍然準備了Large Print字卡，如果你不想要在人群中卡位，或是年長者看不清楚展板說明，字卡提供你在較為空曠之處閱讀的方便性，讓想要資訊補充的觀眾，可以更容易地與展覽做深度對話。同時，展廳也提供椅子拐杖，讓不易久站的族群，可運用椅子在展廳間恣意休息，依照自己的速度慢慢觀展，這方面也看到國外觀展的年長族群的人口之多，不像台灣觀展族群多年來僅集中在25–35歲之間。(3) 觀展不僅於拍照：時尚展覽在台灣往往會淪為拍照展，但在英國雖然大家是會拍照，但是拍照之間是禮讓的，也許是沒有擠滿的人潮，大家也會稍微讓開讓其他人拍到全景，除拍照外，還有更多人在閱讀文字，Dior展覽文字訊息量是非常大的，從這點可感受到英國觀眾看展的深度，反觀巴黎展人潮控管較為擁擠，展示第一區雖然運用多媒體互動來消化大量圖文資訊，但一般觀者其實很難按到互動區，只能看著黑壓壓的人頭，甚為可惜！整體來說，在倫敦的觀展體驗讓我更有機會去了解《Christian Dior: Designer of Dreams》展示內容，V&A展覽營運的規劃不僅僅是官方特有，往往是英國各大展館已經深植以久的觀眾思維，觀展文化的培植需要長時間的積累，在英國看展的舒適度往往都讓人感到滿意。圖片來源： https://www.vam.ac.uk數字秘密：那些可以算出來的展覽答案回到觀展數字的主題，2017年的《CHRISTIAN DIOR, COUTURIER DU RÊVE》依據館長 David Cameo 表示，參觀人數超過70萬，為MAD開館112年以來的最高紀錄；2019年的《Christian Dior: Designer of Dreams》依據BBC報導資料，參觀人數為594,994，打破2015年Alexander McQueen特展48萬的紀錄，攀升為史上第一多參觀者的特展。自製數字比較表兩館都交出了同樣亮麗的成績單，數字卻說明了不同的策展思維。相較於MAD的參觀人數，V&A展期較長一個半月人數卻少了10萬人次，表面上人數的略遜一籌，實際上V&A的票房收益卻是MAD的近兩倍，起因當然是在於票價的訂定，V&A的特展票價是浮動的規劃，同期展出的特展票價約在15英鎊上下，DIOR展的高價策略其實並不影響銷售的狀況，反而有效的控管展廳人潮，讓觀展品質可以改善。比較展廳時段人次，V&A每日控制在2,807人，每小時約為351人，反觀MAD每日為4,294人，每小時537人，當然你可以依展廳的大小來說MAD並沒有為了賺錢塞入更多的人潮，但有控過現場的統籌都可以知道，每小時人數的多寡影響的是第一展區的擁擠程度，實際狀況是MAD的第一展區人流很不順暢，無法好好觀賞介紹生平的互動裝置，除了影響觀眾理解展示內容，展廳的第一印象對於觀眾評斷展覽也是一個重要的心理因素。誠如之前所述，對於觀眾的觀展品質，V&A的確是做了比較多的努力。除了參觀人數的秘密，不知道大家會不會好奇如此精緻的展覽製作，製作費用到底需要多少，2017年的筆記上我寫下了現場幾位策展人的對話，展覽製作費與廣告費高達兩百多萬歐元(約8,000萬台幣)，完全不是一個博物館可以負擔的金額規模，所以全數由DIOR買單。很可惜的今年要寫文章的時候，我已經找不到資料佐證這項筆記了，但就這項數據估算展廳每坪製作費為25,000元，相當於一個300坪的展覽可用在製作面為750萬元，750萬元是多少台灣標案展的金額規模算不錯數字了，但是當中要全納入借展費、運輸費、現場營運費、製作費、宣傳費、專案人事費、行政費等費用，大家可以自行想像製作費到底剩多少了呢？！所以在我們崇洋媚外地說著國外製作多麼精良，是不是該思索我們願意投入多少資金在策展？或是每一位觀眾願意花多少錢買一張票進場呢？歐洲策展也非全然的美好當我們欽羨歐洲策展的大資本大製作、展品間的館際交流、似乎又不缺乏願意買票入場的觀眾之餘，其實各大展館也常招致批評，法國雜誌《Marianne》抨擊了MAD出賣了自己，淪為商業品牌展示的商店櫥窗，追求人潮湧現，如同隔壁菜市場般熱鬧的羅浮宮(Louvre museum)，以我過往參觀MAD的經驗來說，它的確是在熱鬧觀光區中能推出品質高的展覽，這次幾乎讓出了超過一半的展廳作為DIOR特展，讓人失焦其博物館定位與常設展的推廣，再加上他前面一檔展覽與玩具製造商 Mattel合作，舉辦了芭比娃娃特展，因此，更讓專業人士印象不佳。實際上，館長David Cameo指出，「龐大的參觀人數對博物館的財政來說是有好處的，它填補了一大筆資金缺口，這將幫助館方重新裝備並支付修復工作室的大修費用。」熱門特展的策展權衡，一直以來就是博物館學科中一個熱烈的討論項目，好處壞處各有立場，做為一個博物館的經營者，的確很難做出一個各方都滿意的決策方向，這點不得不說V&A的安排就較為巧妙，DIOR展覽期間同時展出英國出身、迷你裙的發明設計師Mary Quant的大型回顧展，票價還較為低廉，自然能平衡博物館不為單一品牌背書的立場。2017年展覽現場拍攝DIOR展 驚豔的經驗縱使正反辯證後，我仍然非常喜歡巴黎裝飾藝術博物館所舉辦的《CHRISTIAN DIOR, COUTURIER DU RÊVE》，無論如何都是一個驚豔不已的經驗，永難忘懷三個設計師的觀展之旅，可以氣味相投的評頭論足展示設計，看到舞會光雕時，驚訝的下巴一直無法歸位！也許都是身在設計製作的背景中人，更能體會這是一個難以超越的展覽，無論是原創性、資金成本、設計思維、製作水準、文化背景、空間場域，都難以在亞洲複製，更期待我們不要老是思索如何引進國外展演，而是自製出別人會驚艷的展覽。《CHRISTIAN DIOR, COUTURIER DU RÊVE》/ MAD / 2017.7.5–2018.1.7.展覽網頁： https://madparis.fr/en/about-us/exhibitions/recent-exhibitions/christian-dior-couturier-du-reve/《Christian Dior: Designer of Dreams》/ V&A / 2019.2.2 -9.1展覽網頁： https://www.vam.ac.uk/exhibitions/dior-designer-of-dreams

### [東西詮釋大不同：以策展的角度來看兩次遇見孟克展](https://school.taipeiartnotes.com/posts/edvard-munch-exhibitions)

《吶喊》，1910年版 (圖片來源：https://munch2018.jp)We want to create, or at least lay the foundations of, an art that gives something to humanity. An art that arrests and engages. An art created of one’s innermost heart.—— Edvard Munch, 1889我們想要去創造藝術，至少奠定下基礎，讓藝術能給予人們些什麼，是吸引關注、使感興趣，是再現了某人的內心深處。—— 愛德華．孟克 18892019年大英博物館(British Museum)所展出的《Edvard Munch：love and angst》特展，以愛德華．孟克(Edvard Munch1863–1944)自述藝術創作的動機作為開端，跳脫大眾「微觀」藝術家內心世界的角度，引導觀者「宏觀」藝術家藝術創作的本質，在策展角度上來說，感受到大英的新詮釋，也打開了個人對於孟克的欣賞視野。坦白說，我就是戴著有色眼鏡來看展的！這眼鏡上迷濛我視線的顏色，來自於2018年在東京都美術館參觀過《ムンク展 — 共鳴する魂の叫び》的經驗，這份自以為是導致我一開始快速的進入展廳穿梭，直到第二展廳時才恍然大悟這是一個完全不一樣的展覽，最大的差異在於策展的角度：東京展以時間序為主軸展開了孟克的大型回顧展；大英展以孟克身處的三大城市背景勾勒下，聚焦藝術家精華的版畫作品。執行展覽多了之後，總會染上帶有既定印象來觀展的惡習，當然也可說是一種職業病，這次觀展經驗給予了我一個很好的提醒：每次看展都應該是一個全新的體驗！【東京都美術館】完整回顧孟克60年的創作生涯《ムンク展 — 共鳴する魂の叫び》展覽海報 (圖片來源：東京都美術館網站)《ムンク展 — 共鳴する魂の叫び》（孟克展 — 與靈魂吶喊的共鳴）是東京都美術館與奧斯陸孟克美術館(Munch Museet)合作，展期為2018年10月27日至2019年1月20日，以著名作品《吶喊》首度在東瀛展出作為號召，展現藝術家強烈地表現愛、絕望、嫉妒、孤獨等人性內在的代表作，展覽計有約100件作品，逾60幅為油畫及版畫，搭配素描與版畫，橫跨了孟克60年的創作生涯。展覽分成九大區，依照時間先後順序排列，第一區運用自畫像簡介了孟克與其時代背景，從第二區開始，從家族故事開啟了展覽故事鋪排，點出了年幼面臨死亡的生活經歷，孤獨焦慮遂成了主要因子引導了創作，連結至著名作品《吶喊》的主要展示，再轉向從男女情感、愛與忌妒中探討作品，最後進入藝術家回歸故鄉挪威的晚年生活。《ムンク展 — 共鳴する魂の叫び》展覽分區1 誰是孟克Much Himself2 家族–死亡與喪失Family — Death and Loss3 夏的夜–孤獨與憂鬱Summer and Night — Solitude and Melancholy4 靈魂哭泣–不安與絕望Scream of Soul — Anxiety and Despair5 接吻、吸血、瑪丹娜Kiss, Vampire, Madonna6 男與女–愛、忌妒、別離Man and Woman — Love, Jealousy, Separation7 肖像畫Portraits8 躍動的風景Dynamic Landscapes9 畫家的晚年Late Works隨著展覽構成的穿針引線，觀眾逐步領略孟克的一生與回顧其精湛的作品。作為一個藝術家的大型回顧展，策展架構是中規中矩的呈現，以線型時間序來排列主題，分區標題的用詞遣字也十分直觀，不用細讀展覽文字的觀者，也能輕易地捕捉到展覽的精隨。整體來說，平穩地陳述展覽內容，展品豐富度高，展覽參觀人潮較多，連帶影響了些參觀品質。【大英博物館】顛簸的城市穿梭串聯孟克的生活焦慮Edvard Munch: love and angst trailer同樣與奧斯陸孟克美術館合作的大英博物館，在2019年4月11日到7月21日期間推出特展《Edvard Munch：love and angst》(愛德華．孟克：愛與焦慮)，為英國45年來最大型的孟克個展，旨在為觀眾揭開孟克生活與作品的面紗。除了展出迴盪數個世代、代表焦慮的經典作品《吶喊》外，展覽以全新的角度切入，以三個戰前歐陸都市：奧斯陸、巴黎、柏林勾勒出孟克的生活型態，當他在城市間穿梭，受到波西米亞文化影響與個人情感變化，孟克的創作清楚地傳達己身的愛恨經歷與社會的快速變遷。展覽以孟克是一個馬不停蹄的旅行者作為起點，以三個城市作為展覽三大區域：奧斯陸(Oslo)是他的出生地，帶出他的家庭、求學與波西米亞文化的影響；柏林(Berlin)讓他受到個展展出一周後即關閉的衝擊，進而停駐滋養他將焦慮、疏離、病痛、生死轉化成精湛的藝術作品；巴黎(Paris)讓他感受世界的愉悅，聲光、表演、音樂與情感交織下，催化了作品的實驗性與藝術性。《Edvard Munch：love and angst》展覽分區一樣地在談孤獨與焦慮、生死與愛恨，此展不一樣地呈現觀者不同的角度，在談博物館展覽詮釋的時候，策展人如何在展品清單中進行帶有觀點的排列，支持展覽論述的成立，說故事的方法有很多，套入展覽策畫的執行裡也是變化萬千，這次展示在三個城市的分區說明下，僅是各加入了一段影片放映，每個城市搭配選入歷史照片、畫家草稿、畫作、文字記錄，請專人朗讀著孟克的日記選文，讓觀眾欣賞影片之餘，孟克的形象立刻鮮明起來，轉入欣賞展牆上的畫作時，更能融入藝術家創作的背後歷程。比較東西詮釋 反思台灣展覽文化談到「藝術家大型回顧展」這類型的展覽，其實只要藝術家名氣夠大、展件數量夠多，經典作品有網羅，展覽往往就是票房保證，台灣這類展覽往往都是借展國外巡展套裝，展覽執行只需要忠實地呈現借展方、策展人的資料，一般來說對於團隊都是一個加分的履歷紀錄。若想精益求精的做好展覽，也許該回到策展的本質，提出策展的觀點論述僅只是第一步，展覽的詮釋從展品選件、文字撰寫、展示手法、多媒體與繪畫之間的關係都息息相關，再從觀眾的角度出發，從推廣教育的落實(導覽、摺頁、說明牌)到現場營運的細節，像是人流管控與觀展品質也會影響到觀眾與展品之間的互動，若能從各方面著手力求面面俱到，我個人認為才會算是精彩的策展與執行。大英相較於東京，個人認為是較為出色的，大英選件上僅是以版畫為核心，展品的豐富性上雖不及，但完成度上卻更上一層，最驚喜的是提出了一個新的觀點來看孟克作品，並且掌控了展廳人流限制，每個人都可以恣意地穿梭在展品第一線作近距離的欣賞，若是稍為退後一步，也可有餘地遠觀。人流控制一直都是亞洲區大型展覽的詬病，以此做為評斷東京展的優劣也有失公允，歐洲名畫在亞洲展出，本質上就乘載著高借展費、高運輸費、高保險費的成本壓力，若不能在票房上獲得盈餘，也不是館方可以負荷的執行項目，更不能獲得投資者或贊助商的青睞，這也解釋了為什麼我們都得在人頭間隙中欣賞名畫的現象，因為主辦方都以最飽和的狀態來進行人流控管，期待早日攤平成本由虧轉盈。反觀歐洲，展覽時段票行之有年，展廳人數的降低相對的就是票價的調高，相對應的才能提供觀眾更高品質的觀展經驗，可惜時段票一直在台灣執行不起來，其實蠻遺憾的，主辦方擺盪在成本壓力下，誰都不願作為拉高票價的領頭羊，當展覽票價比一張IMAX電影票價還低廉的時候，怎麼可能期待藝文展演的市場可有正向的循環呢？於是深度製作的藝術展覽越來越少，取而代之的是大眾市場喜愛的拍照展，感嘆於此，市場的改造真的需要有人願意做對的堅持！關於吶喊的二三事《吶喊》，1985年版 (圖片來源：大英博物館網站)I was walking along the road with two friends — the sun was setting — suddenly the sky turned blood red — I paused, feeling exhausted, and leaned on the face — there was blood and tongues of fire above the blue-black fjord and the city — my friends walked on, and I stood there trembling with anxiety — and I sensed an infinite scream passing through nature.Edvard Munch,22 January, 1892我與兩位朋友沿路散步， 那時正是日落，天空突然變得血紅，我停下腳步，感到非常疲累，於是靠著欄桿，如火翻滾的血與舌從空中貫穿黑藍的城市與峽灣，朋友繼續向前行，我站在原地焦慮地顫抖，我感到一聲無盡的吶喊穿越自然。愛德華．孟克 22/01/1892所有關於《吶喊》(The Screem)都會摘錄這段來自1892年孟克的自我陳述，1893年孟克創作兩幅《吶喊》，蛋彩版與蠟筆版，兩個版本到底哪個才是第一件創作都有專家支持，其中較為人所熟知的蛋彩版， 1910年畫家進行重繪，東京展出的便是此件作品，大英則是展出1895年石板畫，該版畫目前全球版次不超過20幅。《絕望》，1984年 (圖片來源https://munch2018.jp)無論東京展或是大英展，展出的同時都搭配了1894年作品《絕望》，真實與幻象對照日記文字，更能體會作品的意涵，大英展展出了《絕望》的手稿與場景的歷史照片，補充說明的角度豐富了展示的厚度。對於《吶喊》的展覽詮釋，兩展異曲同工，差異性不大。《絕望》手稿 (圖片來源：大英博物館網站)我則透過兩度欣賞《吶喊》，在東京展收藏了《吶喊》桌上型充氣娃娃，在大英展收藏了石版畫明信片，做為兩次觀展的紀念品。當然在展覽商品的多樣性與趣味性方面，日本絕對是略勝一籌，東京展覽最著名的就是運用吶喊的意象與皮卡丘跨界合作，除了商品創意與增加展覽收益外，也成功形塑話題來行銷宣傳，這點日本展覽方一直都很有全球競爭力。孟克博物館新館開館在即第一次在東京遇見孟克，展覽讓我體會到他的心路歷程，雖然飽受焦慮精神折磨，但不失可愛的面貌，那些愛恨情仇，不就是我們日常心中OS的圖像化，也許孟克只是幫大家畫出心中所想而已！第二次在倫敦遇見孟克，展覽帶領我了解戰前大時代的歐洲生活，用藝術欣賞的角度來解讀，對於藝術家的樣貌反而有更立體的呈現，重溫英倫看展的樂趣，喜見有態度、有角度的策展單位，總會心生敬佩之意！然而，此生到底能不能三度遇見孟克呢？ 2020年春季孟克美術館(Munch Museet)新館開館，絕對是令人期待的。去一趟挪威奧斯陸，在藝術家成長的地方來欣賞作品，想必別有一番滋味！更期待新博物館的空間規劃與展示手法，能帶給當代全新的角度看孟克！《孟克博物館新館圖》(圖片來源：官網)

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